Жанр: Энциклопедия
Сто великих художников
... В 1944
году Кандинский тяжело заболел, и 13 декабря 1944 года его не стало.
АНРИ МАТИСС
(1869-1954)
"Нужно уметь находить радость во всем: в небе, в деревьях, в цветах. Цветы
цветут всюду для всех, кто только хочет их видеть". "Краски в картине должны
будоражить чувства до самых глубин", - писал французский художник Анри Матисс,
выразивший красоту и радость бытия в своем творчестве.
Анри Эмиль Бенуа Матисс родился 31 декабря 1869 года в Ле-Като, в Пикардии, на
севере Франции, в семье Эмиля Матисса и Анны Жерар. Детские годы будущего
художника прошли в Боэн-ан-Вермандуа, где его отец, торговец зерном, имел лавку.
Его мать увлекалась росписью керамики.
В 1882-1887 годах Анри учился в лицее, а после изучал юриспруденцию в Париже
в Школе юридических наук и в августе 1888 года получил право работать.
Матисс возвращается в небольшой городок Сен-Кантен и поступает работать клерком
у присяжного поверенного. Одновременно он в свободное время посещает курсы
рисунка. Матисс впервые пробует свои силы в живописи, копируя цветные открытки
во время двухмесячного пребывания в больнице.
матисс.
404
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
В 1891 году, преодолев сопротивление отца, Матисс оставляет юриспруденцию,
переезжает в Париж и поступает в Академию Жю-лиана.
С 1892 года Анри учится в Париже в Академии Жюлиана у А.В. Бугро - мэтра
салонного искусства. В 1893-1898 годах он работает в мастерской Г. Моро в Школе
изящных искусств. Мистик и символист Моро предрекал начинающему художнику
большую будущность, особенно ценя его новаторские приемы в сочетаниях разных
цветов. Матисс копирует в Лувре произведения Шардена, де Хема, Пуссена,
Рейсдаля, интересуется творчеством Гойи, Делакруа, Энг-ра, Коро и Домье. Память
о старых мастерах и предшественниках сохранится надолго.
В 1896 году Матисс выставляет четыре картины в Салоне Национального общества
изящных искусств и вскоре избирается членом-корреспондентом этого общества.
Картина Матисса "Читающая" приобретается государством для резиденции президента
Франции в Рамбуйе.
По совету К. Писсарро Анри едет в Лондон, чтобы познакомиться с произведениями
У. Тернера. Художник в эти годы много разъезжает: много времени проводит на
Корсике, в Тулузе и Генуе. Во время пребывания на Корсике Матисс открывает для
себя очарование южного пейзажа.
Наряду с большой работой над картинами Матисс посещает вечерние курсы, где
занимается скульптурой. Это все требует времени и денег. К тому же разрастается
семья: на рубеже двух веков у художника рождаются два сына - Жан и Пьер. В 1901
году Матисс едет на отдых и лечение после бронхита в Швейцарию, где продолжает
много работать. Испытывая денежные затруднения, он некоторое время проводит
вместе с семьей у родителей в провинции.
1901-1904 годы - период интенсивных творческих поисков, начало усиленных занятий
скульптурой. Сам Матисс считал впоследствии, что в новой манере он начал
работать в 1898 году. "Представление о наиболее ранних пейзажах Матисса дают
картины "Булон-ский лес" и "Люксембургский сад", датируемые, очевидно, 1902
годом, - пишет Н.Н. Калитина. - В обоих пейзажах Матисс еще не до конца
освобождается от влияний. В "Люксембургском саду", например, в передаче эффекта
солнечного луча в глубине есть что-то импрессионистическое. А зеленые, красные,
сине-фиолетовые деревья, написанные крупными мазками, вызывают ассоциации с
Гогеном. Не читая подписи под картиной, трудно предположить, что это Париж -
настолько здесь звучны краски и щедра растительность. Элемент претворения
увиденного налицо, но это еще не тот Матисс, который знаком нам по картинам
зрелой поры".
В июне 1904 года состоялась первая персональная выставка художника у А. Воллара.
Летом того же года вместе с художниками-неоимпрессионистами - П. Синьяком и Э.
Кроссом - Матисс едет на юг Франции, в Сен-Тропез. Он начинает работать в
технике ди-визионизма, используя раздельные точечные мазки.
АНРИ МАТИСС
На выставке 1905 года в "Осеннем салоне" Матисс выставляет ряд работ, и среди
них "Женщину в зеленой шляпе". Эти произведения и картины его друзей произвели
фурор. Так появилось новое направление в авангардном искусстве, получившее
название фовизм (от французского "дикий").
В 1907 году Матисс отправляется в путешествие по Италии - посещает Венецию,
Падую, Флоренцию, Сиену. В следующем году в "Заметках живописца" (1908) он
формулирует свои художественные принципы, говорит о необходимости "эмоций за
счет простых средств".
Тогда же художник едет в Алжир и знакомится с искусством Востока, что оказалось
очень важным для его творчества. Восточное искусство оказало большое влияние на
художника. Отсюда преобладание цвета над формой, пестрота и узорчатость,
стилизация предметов в его работах.
Матисс открывает в Париже собственную художественную школу и начинает
преподавать в ней. Правда, через некоторое время он отходит от педагогической
деятельности, чтобы целиком посвятить себя творчеству.
Одним из первых распознал и оценил Матисса русский коллекционер СИ. Щукин. В
1908 году он заказывает художнику три декоративных панно для своего дома в
Москве. Третье панно - "Купание, или Медитация" - осталось лишь в набросках, а
два других - "Танец" и "Музыка" - вскоре приобрели мировую известность. В них
господствуют огненные краски, а композиции, заполненные движущимися в
стремительном танце или играющими на древних музыкальных инструментах
обнаженными юношами, символизируют природные стихии - огонь, землю, воздух.
Выставленные в парижском Салоне перед отправкой их в Россию, композиции Матисса
вызвали скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки
образов. В связи с установкой панно Матисс посетил Москву.
Отвечая на вопросы о своем впечатлении от всего увиденного в России, он говорил:
"Я видел вчера коллекцию старых икон. Вот истинное большое искусство. Я влюблен
в их трогательную простоту, которая для меня ближе и дороже картин Фра
Анджелико. В этих иконах, как мистический цветок, раскрывается душа художников,
писавших их. И у них нам нужно учиться пониманию искусства. Я с-частлив, что я
наконец попал в Россию. Я жду многое от русского искусства, потому что я
чувствую, что в душе русского народа хранятся несметные богатства; русский народ
еще молод. Он не успел еще растратить жара своей души".На деньги, заработанные
от продажи своих полотен русским коллекционерам - Щукину и И.А. Морозову, Матисс
приобрел дом с садом в парижском.пригороде Исси-ле-Мулино.
В зимние месяцы с 1911 по 1913 год художник посещает Танжер (Марокко), под
впечатлением поездки Матисс создает марокканский
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
триптих "Вид из окна в Танжере", "Зора на террасе" и "Вход в каз-ба" (1912),
приобретенный И.А. Морозовым.
Впоследствии, подводя итог своему марокканскому путешествию, Матисс сказал:
"Путешествия в Марокко помогли мне осуществить необходимый переход и позволили
вновь обрести более тесную связь с природой, чего нельзя было бы достигнуть с
помощью живой, но все же несколько ограниченной теории, какой стал фовизм".
Как отмечает М. Бессонова: "Переход был необходим, потому что Матисс
почувствовал разрыв между естественным видением предмета и его анализом на
холсте с помощью приемов фовизма. Необходимо было найти нечто объединяющее живую
натуру и приемы ее изображения. Такой объединяющей субстанцией стал свет,
увиденный Матиссом в Марокко и пронизывающий краски его танжерских полотен. Свет
господствует в замечательном холсте "Открытое окно с видом на бухту в Танжере".
Кажется, что слепящее ма- I рокканское солнце, которое Матисс застал, приехав в
Танжер во второй раз, в конце октября 1912 года, съело" все очертания предметов,
выжгло яркие краски прежних Матиссовых живописных панно. Нижняя часть полотна
местами оставлена художником незакрашенной, так что виден оставленный,
нанесенный художником масляной эмульсией рисунок. Краски сильно разбавлены, и
пейзаж с видом на бухту на горизонте кажется чуть тронутым нежной акварелью.
Масляные краски нанесены тонкими прозрачными слоями, сквозь которые просвечивает
белизна холста, что в целом создает ощущение живого присутствия голубизны неба,
синевы моря, свежести зелени и букетов фиолетовых и красных цветов, стоящих на
подоконнике...
Марокканские пейзажи Матисса, дышащие напоенным солнцем ароматом, быть может,
высшие достижения художника, да и всей живописи XX века в трактовке живой
природы".
Кажется, что оранжевые цвета Матисса рядом с насыщенными синими приобретают
сверкание. Недаром Г. Аполлинер восклицал: "Если бы творчество Матисса нуждалось
в сравнении, следовало бы взять апельсин. Матисс плод ослепительного цвета".
После 1914 года Матисс продолжал иногда писать пейзажи, но отметить в них можно,
пожалуй, лишь одну новую черту, - сдержанность колорита: "Дорога в Кламаре"
(1916-1917), "Монтальбан" (1918).
После Первой мировой войны Матисс преимущественно живет в Ницце. В творчестве
художника происходит новый поворот. Он все больше отдает предпочтение рисунку,
где можно творить легко и быстро. Произведения этого периода отмечаются
приглушенностью тонов, мягкостью письма. Под влиянием живописи О. Ренуара он
увлекается изображением натурщиц в легких одеяниях, и появляется цикл
"Одалиски". В 1920 году Матисс работает над эскизами декораций и костюмов для
балета И. Стравинского "Соловей".
Имя Матисса становится всемирно известным. Его выставки проходят в Москве, НьюЙорке,
Париже, Кельне, Лондоне, Берлине,
АНРИ МАТИСС
Копенгагене, других городах. Художник получает всеобщее признание. В июле 1925
года А. Матисс получает звание кавалера ордена Почетного легиона. В 1927 году он
получает американскую премию Института Карнеги в Питтсбурге за картину
"Компотница и цветы". В 1930 году Матисс едет на Таити, где работает над двумя
вариантами декоративных панно для фонда Барнеса.
Как указывает "История искусств": "В 30-40 годы происходит новый подъем,
возвращение к фовистам и их поискам. Матисс пытается подвести итог своим
открытиям, сочетая декоративность, красочность с точным рисунком (панно "Танец",
1932). Он переносит в монументальную живопись приемы графики. Это позволяет
усилить впечатление движения. Он порывает с налетом светскости, изнеженности,
создавая монументальные полотна: "Розовая обнаженная женщина", "Сон", "Натюрморт
с раковиной" (1940), "Натюрморт с устрицами" - одно из самых совершенных его
созданий. В картинах все больше появляется асимметрии. Матисс отказывается от
экзотики Востока. Преобладают женские фигуры в праздничных платьях, которые
позируют художнику в креслах, на фоне ковров, рядом с цветами в вазах и пальмами
("Желтое платье и шотландка", "Королевский табак", "Отдых танцовщицы")".
Художник продолжает настойчиво работать и в самое трудное для него время. С 1941
года он тяжело болен, его жену и дочь арестовало гестапо за участие в движении
Сопротивления, и Матисс долгое время ничего не знает об их участи. Он тревожится
и за сына Жана, помогавшего борцам Сопротивления.
Работа - самое главное в жизни мастера, мысли о ней не покидают его. В письме к
известному писателю Л.Арагону от 1 сентября
1942 года художник пишет: "Я думаю только о работе..." 22 августа
1943 года он снова пишет тому же адресату: "...В моем возрасте никогда не
знаешь, не будет ли работа, которую делаешь, последней в жизни - и надо было
сделать ее как можно лучше; уже нельзя отложить осуществление своей мысли на
следующий раз..."
В сороковые годы художник много трудился над портретами, которые всегда считал
своим призванием. В процессе создания эскизов Матисс начал использовать технику
вырезок из цветной бумаги ("декупаж"), в которой исполнена серия "Джаз" (19441947).
В 1947 году художник удостаивается высшей степени ордена Почетного легиона. В
1950 году он снова получает премию по живописи на XXV Венецианском бьеннале. В
1952 году на родине художника открывается Музей Матисса. В 1948-1953 годах по
заказу доминиканского ордена он работает над сооружением и декорацией "Капеллы
четок" в Вансе. Эта последняя работа Матисса, которой он придавал большое
значение, своеобразный синтез многих предшествующих его исканий.
Несмотря на тяжелую болезнь, почти все его произведения последних лет светлы,
оптимистичны и жизнерадостны по настроению. По свидетельству его секретаря,
Матисс иногда рисовал даже ночью, в минуты тяжелой бессонницы, чтобы отвлечься.
Даже после ин408
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
фаркта, за день до смерти, Матисс попросил карандаш и сделал три портретных
наброска.
Умер Анри Матисс 3 ноября 1954 года в Ницце и там же похоронен. Л. Арагон писал
о Матиссе: "Этого человека больше нет, но он оставил нам свою огромную веру в
судьбу людей, свое умение рассеивать туман, свое утверждение счастья".
ПИТЕР МОНДРИАН
(1872-1944)
Мондриан - основоположник и вдохновитель течения, названного "неопластицизмом".
Его искусство, как писал Георг Шмидт, есть "самое совершенное воплощение одного
из основных состояний духа... стремящееся достичь некого высокого равновесия
между первичными силами, физическими и психическими".
"В будущем, - пишет Мондриан, - осуществление чистого выражения формы в
наглядной реальности нашей среды заменит искусство. Но чтобы достигнуть этого,
необходима ориентация на всеобщие представления и освобождение от груза природы.
И тогда нам не нужны будут больше картины и скульптуры, ибо мы будем жить в
осуществленном искусстве".
Питер Корнелис Мондриан родился в Амерсфорте 7 марта 1872 года. Мондриан
происходил из сеМьи со строгими кальвинистскими убеждениями. Учился Питер в
амстердамской Академии художеств. Первыми работами были пейзажи, написанные в
традиции голландской школы ("Лесной ручей", 1888). Но не академические
опыты ("Натюрморт с рыбой", 1893) принесли известность молодому художнику, а так
называемые вечерние пейзажи. В сумерках, в лучах закатного солнца Голландия - ее
дюны, деревья, ветряные мельницы - предстает загадочно-поэтической ("Вечер на
берегу Гей-на", 1906). В многочисленных рисунках Модриана, в пейзажах этого
периода можно обнаружить ритмы и цветовые аккорды, преследующие пластические
цели. Один из первых критиков творчества Мон-f ¦
8 дриана заметил, что его пейзажи
•ft мшямяДшг "мшима" mm мм т wfc "переворачивают душу, трогают до и.
1 самых ее глубинных уголков".
Пейзажи, написанные после 1907 года, знаменуют собой повоПИТЕР
МОНДРИАН
шшт шшт*
I ям аш а"аХ
П Мондриан Нью-Йорк-сити
рот к кубизму и абстракции: "Красное дерево" (1908), "Серое дерево" (1912),
"Яблоня в цвету" (1912). "Натюрморт с горшком имбиря" (1912) уже в полном смысле
слова кубистическое произведение. Одна из наиболее крупных работ первого
парижского периода Монд-риана - "Композиция № 9", называемая также "Голубой
фасад".
Начиная с 1908 года, под влиянием Яна Торопа и Слейтерса, Мондриан испробовал
приемы дивизионизма, однако эти работы несли на себе также отпечаток фовизма и
символизма - "Маяк в Весткапелле", "Церковь в Домбурге" (1914), виды пляжа и
дюн.
Сам художник писал о том времени. "Первое, что мне следовало изменить в своей
живописи , - это цвет Чувствуя, что натурные цвета не могут быть воссозданы на
холсте, я заменил их чистыми цветами. Во время этого периода экспериментов я
впервые поехал в Париж. Это было около 1910 года, в самом начале кубизма.
Несмотря н,а восхищение Матиссом, Донгеном и другими фо-вистами, меня сразу же
привлекли кубисты, особенно Пикассо и Леже, художники, близкие к абстракции... У
меня ощущение, что только кубисты нашли верную дорогу. В течение некоторого
времени они сильно на меня влияли".
В 1911 году в Амстердаме вместе с Пикассо, Дереном, Браком Мондриан принял
участие в Международной выставке современных художников. Знакомство с работами
кубистов повлияло на его творчество: Мондриан также экспериментирует с формами,
упрощает их.
Обосновавшись в Париже, художник выставил работы в Салоне Независимых. Период с
1912 по 1914 год связан у Мондриана с программой кубистов, которую он
перерабатывает в более последовательный геометрический стиль, переходящий в
простое черчение на плоскости.
В 1913 году он пишет первые абстрактные полотна, являющиеся логическим
продолжением его кубистских произведений. "Постепенно из его работ исчез даже
намек на реальную форму. Композиции серии "Море" (1914) по сути своей уже
абстрактны, - пишет Н. Геташвили. - Впечатления от бликов света на колеблющейся
поверхности моря художник выразил чередованием горизонтальных и вертикальных
штрихов, иногда крестообразно пересекающихся".
Во время Первой мировой войны Мондриан вернулся в Голландию, где вместе с
другими художниками основал журнал "Стиль", первый номер которого появился в
1917 году Здесь Мондриан опубликовал свою статью "Неопластицизм в живописи" -
так появился термин "неопластицизм". В группу его последователей вошли Тео ван
Дусбург Б. ван дер Лек, ван Монгерлоо, Уилс и другие. Характерно участие в этой
группе архитекторов. С точки зрения идей группа была воздействием теософии и
платонизма Схунмакера. Как говорил Мондриан: "Новое творчество осваивает и
раскрывает истины, обнаруженные наукой, а именно понимание того, что время и
субъективное восприятие прячут настоящую реальность. ."
Художник стремительно эволюционировал, двигаясь к использованию чисто
геометрических форм, по-разному окрашенных, как в "Композиции в синем" (1917).
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
"Постепенно мне стало ясно, - пишет Мондриан, - что кубизм не сделал логических
выводов из своих собственных открытий: он не довел абстракцию до ее высшей цели,
выражения чистой реальности. Я чувствовал, что эта реальность может быть
выражена только посредством чистой пластики". И далее: "Чтобы создать чистую
реальность пластически, необходимо свести формы природы к постоянным элементам
формы, а естественный цвет к первичному цвету".
После возвращения Мондриана в Париж в 1919 году, несмотря на многочисленные
выставки, работы его не имели успеха. Чтобы заработать на жизнь, он писал
цветочные натюрморты.
Дальнейшим следствием системы Мондриана является реформа палитры. Ему важно
произвести "денатурализацию" красок живописи: "Чтобы искусство было абстрактно,
то есть чтобы оно не обнаруживало никаких связей с естественным аспектом вещей,
необходимо соблюдать закон денатурализации материи, имеющий основополагающую
важность. С наибольшей силой осуществляет это абстрагированный от естественного
цвета первоначальный цвет".
В 1926 году Мондриан выразил свои наставления художнику в пяти правилах:
"1) Средством пластического выражения должна быть плоскость или прямоугольная
призма основных цветов (красного, синего и желтого) и не-цветов (белого, черного
и серого). В архитектуре пустое пространство должно быть принято за не-цвет, а
строительный материал должей быть принят за цвет. 2) Необходима эквивалентность
пластических средств. Различные по размерам и цвету, они тем не менее Имеют ту
же ценность. Вообще говоря, равновесие предполагает большую поверхность не-цвета
и меньшую поверхность цвета или материи. 3) Дуализм противоположности
пластических средств требуется уже в самой композиции. 4) Постоянное равновесие
достигается отношением положения и выражается прямой линией (границей
пластического средства) в ее принципиальном противопоставлении. 5) Равновесие,
которое нейтрализует и устраняет пластические средства, создается отношением
пропорций, в которых они взяты и которые являются источником живого ритма".
В течение второго парижского периода Мондриан начал наносить свои холсты
прямоугольной сетки и использовать только чистые цвета. Начиная приблизительно с
1921 года толстые линии еще четче разделяют план, первичные чистые цвета
появляются лишь на периферии композиции в окружении белых или бледно окрашенных
полей. Несмотря на строго геометрический характер композиций, в них всегда
присутствует легкая асимметрия.
Мондриан создает десятки полотен, развивающих тему равновесия вертикалей и
горизонталей, равновесия цветных прямоугольников, строго отмеряя при этом
количество каждого цвета, равновесия, основанного не на симметрии, но
выраженного посредством свободной координации геометрических форм: "Композиция с
красНИКОЛАЙ
КОНСТАНТИНОВИЧ РЕРИХ
ным, желтым и голубым" (1921), "Композиция" (1922), "Композиция с красным,
желтым и голубым" (1929).
Около 1929-1931 годов на полотнах художника появились цветные полосы по
периметру картины. Позднее композиции изменились еще сильнее: центр картины
часто стал занимать ромб, как в "Композиции с двумя линиями" (1931).
С образованием в начале тридцатых годов группы "Круг и Квадрат" количество
ценителей искусства Мондриана возросло. После начала Второй мировой войны
художник искал убежища сперва в Лондоне, а потом в Нью-Йорке, где его композиции
стали более красочными, подвижными и музыкальными.
В Америке ему, наконец, удалось достичь благополучия. Здесь Мондриана называли
самым знаменитым иммигрантом. В 1942 году с успехом прошла его первая в жизни
персональная выставка.
В США художник работал над большими композициями, которые несколько усложняются,
а достижение идеального, очищенного равновесия по-прежнему остается его целью:
"Площадь Согласия в Париже", (1938-1943), "Нью-Йорк-сити" (1941-1942), "Бродвей
буги-вуги" (1942), "Победа буги-вуги" (1943-1944). Теперь линии, как бы
подчиняясь пленившим его ритмам джаза и буги-вуги, дробятся маленькими цветными
квадратиками, черная сетка стала необязательной.
Умер Мондриан 1 февраля 1944 года.
Его искусство оказало огромное воздействие на европейскую и американскую
живопись, особенно на такие направления, как геометрический абстракционизм и
конкретная живопись. Оно сильно повлияло и на современную архитектуру и дизайн.
НИКОЛАЙ КОНСТАНТИНОВИЧ РЕРИХ
(1874-1947)
Известный индийский художник Биресвар Сен приветствовал Рериха от имени Индии
следующими словами: "Для большинства из нас Рерих является легендарной фигурой
рыцарского эпоса. На фоне мрачного блеска пылающего запада его могучая фигура
вырисовывается высоко, подобно неподвижному и благожелательному Будде, среди
огромного космического катаклизма. Далеко над оглушительным грохотом
неистовствующих народов звучит его голос - ясный завет Вечного, голос истины,
красоты и культуры. Велик Рерих - и еще более велики его труды, прекрасные
провозвестники мира и доброй воли среди людей. Неутомимый в действии,
неукротимый в духе и чистый сердцем, он является новым Галахадом, ищущим
священный Грааль!"
Николай Константинович Рерих родился 9 октября 1874 года в Петербурге, в семье
известного нотариуса Константина Федорови412
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
ча Рериха. Мать Николая Константиновича, Мария Васильевна Калашникова,
происходила из купеческой семьи. Родители были людьми культурными, дом их часто
посещали ученые.
В восемь лет Коля перешагнул порог гимназии. "Будет профессором", - сказал ее
директор К.И. Май, окинув мальчика оценивающим взглядом, и не ошибся.
До шестого класса мальчик обучался на немецком языке. В 1891 году один из друзей
семьи Рерихов - художник обратил серьезное внимание на склонность юноши к
рисованию. С этого времени начались систематические занятия живописью.
Знакомство с мозаистом И. Кудриным пробудило интерес к мозаичным работам.
По признанию самого Рериха, он уже с шестнадцати лет стал задумываться о
поступлении в Академию художеств. Но при этом Николай не мог допустить мысли,
что следует отказаться от приобретения знаний в других серьезно интересовавших
его областях - истории, археологии, философии. Поэтому, по окончании гимназии в
1893 году, Рерих одновременно поступает в Академию художеств и на исторический
факультет университета.
Осенью 1895 года, после окончания общего натурного класса, Рерих приходит в
мастерскую А.И. Куинджи. Он вспоминает: "Пошли. Посмотрел сурово: "Принесите
работы". Жили мы близко - против Николаевского моста - сейчас и притащили все,
что было. Смотрел, молчал. Что-то будет? Потом обернулся к служителю Некрасову,
показал на меня и отрезал коротко: "Это вот они в мастерскую ходить будут". 30
октября 1895 года Рерих записывает в дневнике: "Большое событие! Я в мастерской
Куинджи". Занятия у Куинджи имели огромное значение для творческого развития
Рериха.
В ноябре 1897 года Николай был удостоен звания художника за картину "Гонец.
Восстал род на род", или, как она значилась в "Отчетах Академии художеств",
"Славяне и варяги". Дипломная работа оправдала надежды наставников - Куинджи и
Стасова. Прямо с выставки "Гонец" был приобретен П.М. Третьяковым.
В 1898 году Рерих занимает место помощника директора музея Общества поощрения
художеств и одновременно место помощника редактора журнала "Искусство и
художественная промышленность".
30 октября 1899 года в дневнике художника появляется запись: "Сегодня была Е.И.
в мастерской. Боюсь за себя - в ней очень много хорошего. Опять мне начинает
хотеться видеть ее как можно чаще, бывать там, где она бывает". В начале нового
века Рерих женится на замечательной женщине - Елене Шапошниковой.
Весной 1900 года в Париже открылась Всемирная выставка с большим художественным
отделом. Попала на выставку и картина Рериха "Сходятся старцы".
Известный художник С.Маковский пишет: "В 1899 году он пишет "Старцев". Это,
несомненно, шаг вперед. Картина вызывает общее внимание. Путь найден.
Хотя "Старцы" еще очень темное обещание красоты, в них уже ощущается избыток
самостоятельности и волнующих прозрений.
НИКОЛАЙ КОНСТАНТИНОВИЧ РЕРИХ
Посмотри в окно!
Чтобы сохранить великий дар природы — зрение,
врачи рекомендуют читать непрерывно не более 45–50 минут,
а потом делать перерыв для ослабления мышц глаза.
В перерывах между чтением полезны
гимнастические упражнения: переключение зрения с ближней точки на более дальнюю.
"Поход" (1899) - третий отметный холст этого подготовительного периода, к
которому относятся все работы, исполненные до 1900 года, "Старая Ладога", "Перед
боем", рисунки "Жальников" для издания археологического общества и т.д.
После заграничного путешествия 1900 года, в Париж и Венецию, сразу расширяется
круг его замыслов, археология отступает на второй план пер
...Закладка в соц.сетях
