Жанр: Энциклопедия
Сто великих художников
...рактеров и композиций,
другая - светлая линия гармоничных женских портретов и некоторых картин.
Акварельный лист "Весна в деревне" (1928) представляет эту вторую линию.
Художник верен своей мечте о совершенных человеческих отношениях. Верен он
основным принципам своего искусства - убеждать не рассказом, а эмоциональными
средствами самой живописи. В небольшом акварельном листе он не строит сложной
"планетарной" композиции, но образы любящих приподняты над прозой будней сочными
красками, совершенством и законченностью линейно-пластического изображения".
Во второй половине двадцатых годов у Петрова-Водкина неожиданно открылся
туберкулезный процесс. В 1928-1929 годах болезнь принимает угрожающе тяжелую
форму. Лечение в санаториях под Ленинградом, в Крыму и на Кавказе реальной
пользы не
ПАБЛО ПИКАССО
433
приносит. В течение нескольких лет Петров-Водкин не мог из-за болезненной
реакции легких на запах масляной краски заниматься живописью. В эти годы он
возвращается к давно заброшенной литературной работе. Он пишет увлекательные
автобиографические повести: "Хлыновск", "Пространство Эвклида", "Самаркандия".
Умер Петров-Водкин 15 февраля 1939 года.
ПАБЛО ПИКАССО
(1881-1973)
Пикассо говорил: "Искусство - это ложь, которая помогает нам понять правду".
Пабло Руис-и-Пикассо родился 25 октября 1881 года в испанской Малаге в семье
художника дона Хосе Руиса и Марии Пикассо-и-Лопес. Со временем художник взял
фамилию матери. Отец был скромным преподавателем рисования, иногда выполнявшим
заказы по росписи интерьеров. Рисовать мальчик начал очень рано. Самые первые
наброски поражают артистизмом, профессиональным умением. Первая картина юного
художника называлась "Пикадор".
Когда Пабло исполняется десять лет, он вместе с родными переезжает в Ла-Корунью.
В 1892 году он поступает в местную Художественную школу, где его отец ведет
класс рисунка и орнамента.
В сентябре 1895 года семья снова переезжает: на этот раз в Барсе- ^," лону.
Пабло начинает учебу в бар- *'? селонской Художественной школе. .'
Он потрясает профессуру, выполнив за один сеанс этюд натурщика, на исполнение
которого был дан целый месяц. Зимой Пикассо пишет свою первую большую композицию
в академическом стиле "Первое причастие", следующей весной показанную на
групповой выставке в Барселоне. Однако юному таланту претят непрестанные штудии
гипсов, и, к удивлению всех, Пабло покидает школу.
В 1897 году Пабло поступает в Королевскую академию Сан-Фернандо в Мадриде. Но и
эти стены недолго удерживают молодого художника, уже решившего самостоятельно
искать свою дорогу в живописи.
В том же году на националь- 11.Пикассо.
Автопортрет
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
ПАБЛО ПИКАССО
ной выставке Академии художеств в Мадриде картина "Знание и сострадание"
удостоена высокой оценки. Но зимой против воли отца Пабло бросает учебу в
Академии. В 1898 году он возвращается в Барселону, чтобы окончательно
поправиться после болезни. В это время он занимается с каталонским художником
Палларесом.
В следующем году Пабло знакомится с членами группы художников, скульпторов,
поэтов, искусствоведов, встречавшихся в кафе "Четыре кота". Он близко сходится с
поэтом Хаиме Сабартесом. Своему другу Пабло поведал немало фантастических
историй. Надо сказать, что хвастовство и склонность к преувеличениям, как у
истового испанца, были у Пикассо в крови.
Так однажды он рассказал историю о том, как целую зиму 1902 года топил камин
своего гостиничного номера собственными рисунками. Сабартес хладнокровно
комментировал: "Если вспомнить о том, как быстро прогорает бумага, то все это
следует понимать как преувеличение". Пикассо настаивает: "Сотни, тысячи,
миллионы рисунков!" Поэт больше не возражал. Хаиме сделал лишь маленькое
замечание: "Может быть, все-таки не так много".
Историки искусства обычно разделяют творчество Пикассо на периоды: "голубой",
"розовый", "негритянский", "кубистический", "классический" и так далее. Это
деление, естественно, достаточно условно. Пикассо всегда искал формы, которые
могли бы передать его мысли и чувства. Эти формы порой резко менялись, но не раз
он возвращался к тем формам, которые, казалось, оставил; почти всегда он работал
одновременно в разных манерах.
Начало "голубого" периода принято относить приблизительно к середине 1901 года,
окончание- к концу 1904-го. Хотя многое из того, что составляет содержание
"голубого" периода, восходит еще к пребыванию художника в Мадриде с февраля по
апрель 1901 года: "Женщина в голубом", "Дама в голубом". В это время Пикассо
живет то в Париже, то в Барселоне.
Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Картины
пропитаны чувством тоски, отмечены некоторой болезненностью, они написаны в
сумрачной, почти одноцветной гамме голубых, синих и зеленых тонов. Фигуры
кажутся застывшими, скованными: "Любительница абсента" (1901), "Свидание"
(1902), "Старый нищий старик с мальчиком" (1903), "Жизнь" (1903), Встреча"
(1902), "Бедняки на морском берегу" (1903).
Произведение переходного периода - от "голубого" к "розовому" - знаменитая
"Девочка на шаре" (1905). Хрупкое, напряженное, изогнувшееся в балансирующем
движении тело девочки дано в остро контрастном противопоставлении тяжелой,
неподвижно устойчивой фигуре атлета. Однако, несмотря на резкую
противоположность двух фигур, исключающую, кажется, общее между ними, в картине
отсутствует настроение одиночества и разъединенности людей ранних работ Пикассо.
Колорит картины построен на простых розовых и голубых тонах, данных в
соотношениях столь сложных и почти неуловимых, как тончайшие нюансы человеческих
чувств. Эти два
цвета резко звучат в ярко-синих и красновато-розовых тонах фигуры мужчины,
замирают в нежных голубовато-серых и пепельно-розовых оттенках тела и одежды
девочки и растворяются в голубовато-розоватой дымке. Мягкий колорит создает то
лирическое настроение, которое объединяет фигуры, создает ощущение их
связанности общей судьбой. Кажется, что странствующие гимнасты ранних работ
Пикассо здесь обратились друг к другу и в ощущении хрупкой иллюзии духовной
близости на время обрели непрочное равновесие своего бытия.
В так называемом "розовом" периоде Пикассо (1905-1906) в фигурах исчезает
скованность, тона делаются прозрачнее и воздушнее. Сложные нюансы розовозолотистых
и серебристо-голубых тонов служат средством раскрытия тончайших
лирических настроений, поэтической прелести образов. Гуманистическая тема
раздвигается. Пикассо привлекает большая человеческая семья или коллектив,
скрепленный дружбой.
Его излюбленными темами в этот период были акробаты, гимнасты и арлекины"Семейство
акробатов с обезьяной" (1905), "Гауклеры, семейство комедиантов"
(1905), "Акробат и молодой арлекин" (1905), а также изображения женщин за
туалетом - "Туалет" (1906), "Прическа" (1906), "Гарем" (1906). Его картины этого
времени обнаруживают спонтанность, немыслимую в работах предшествующего периода.
Тогда же были исполнены серии гравюр, в том числе офортов.
В 1907 году Пикассо познакомился с Матиссом. В ту пору он углубленно осваивал
наследие Сезанна, о чем свидетельствует "Портрет Гертруды Стайн" (1906),
предвосхищающий кубизм, и следующая картина - "Авиньонские девицы" (1906-1907).
Это произведение было по-настоящему революционным, ибо порывало с традиционным
способом изображения человеческой фигуры и пространства.
Конструирование массивных грубых геометрических объемов или аналитическое
разложение их на сопоставленные плоскости, цветовые и фактурные элементы,
рассмотренные с разных сторон с помощью динамичной точки зрения, становится
главной задачей художника. Так в 1908-1909 годах Пикассо совместно с Ж. Браком,
влияя друг на друга, разрабатывают новый стиль - кубизм, ставший радикальным
поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному
пересозданию.
"Многие считают, - говорил Пикассо, - что кубизм - особый род переходного
искусства, эксперимент, и результаты его скажутся только в дальнейшем. Думать
так - значит не понимать кубизма. Кубизм не "зерно" и не "зародыш", а искусство,
для которого прежде всего важна форма, а форма, будучи однажды создана, не может
исчезнуть и живет самостоятельной жизнью".
Идея художника, отойдя от привычных форм, донести внутренний смысл предмета:
"Скрипка" (1913) "Абсент и карты" (1912), "Натюрморт с плетеным стулом" (1911 -
1912). Закладывая фундамент
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
кубизма, Пикассо находился под обаянием негритянской скульптуры, так появился
"Танец с покрывалами". И другие произведения этого периода не лишены
национального звучания, а также некого декоративного излишества ("Дама с
веером", 1909; "Девушка с мандолиной", 1910).
"Одно из самых значительных произведений кубизма - "Три женщины", на современный
лад решающее тему трех граций.., - пишет А.Г. Костеневич. - Ниспровергатель
многих прежних представлений, Пикассо, как никто другой, умеет опереться на
традицию. В "Трех женщинах" это выражается как в выборе темы, так и в обращении
к приемам пирамидального построения. Позы левой и центральной фигур близки позе
героини "Танца с покрывалами", но если там все плоскости перемещаются,
подчиняясь бурному вихрю, то здесь движение и статика взаимоуравновешиваются в
кристаллической форме. Вся группа действительно напоминает сложно разросшийся
кристалл, а кристалл всегда растет таким образом, чт© в соединении его элементов
присутствует конструктивная логика. Она-то и управляет побуждениями художника.
Кристаллическая однородность монументализированной группы подчеркнута
решительным преобладанием красновато-коричневых тонов, которые своей весомостью,
материальностью сдерживают порыв, заложенный внутри картины. Фигуры с закинутыми
за голову руками и "спящими" лицами живут не по законам, которым подчиняемся мы
в нашей повседневности, а по велениям автономного мира, созданного воображением
художника".
Начиная с 1914 года происходит постепенный отход Пикассо от кубизма. Сначала это
проявляется в картине "Художник и его модель", в ряде рисунков Пикассо ощущает
интерес к точным контурам и пластике форм. Пройдет три-четыре года, и
неоклассицистические, реалистические тенденции становятся явными. В прессе даже
появились критические заметки о "художнике-хамелеоне".
В 1917 году художник работал над костюмами и декорациями балета "Парад",
поставленного труппой Дягилева. В 1918 году Пикассо женится на русской балерине
Ольге Хохловой. Рождение в 1921 году сына Поля сопровождается возвращением к
миру ясных, понятных, чуждых драматической экспрессии форм. Формальные методы
начинают у него сосуществовать одновременно. Пикассо больше не ищет ключевого
строя форм, как он искал его в кубизме. Лишь изменчивость форм остается
неизменной.
Картины отличает изящество линий и настроение сказочной идиллии с утонченным
ароматом старины: "Три женщины у источника" (1921), "Мать и дитя" (1922), серия
"Мастерская скульптора" (1934).
В 1927 году Пикассо знакомится с Марией-Терезой Вальтер. Он расстается с
Хохловой, и в 1935 году Мария-Тереза рожает ему дочь Майю. Забегая вперед надо
сказать, что это была далеко не последняя любовь художника.
ПАБЛО ПИКАССО
В 1943 году Пикассо знакомится с Франсуазой Жило. Результат этой связи- сын Клод
(1947), дочь Франсуаза (1949). В возрасте восьмидесяти лет (!) художник
сочетался законным браком с Жаклин Рок.
"Два произведения - "Танец" (1925) и последняя картина из серии "Гитара" (1926)
- производят впечатление взрыва после относительного спокойствия, - отмечают
авторы книги "История искусств". - Начинается время странного искусства Пикассо,
получившего титул "метра наших кошмаров". Под его кистью рождается целое
поколение монстров. Они и похожи и не похожи на людей, у них своя анатомия,
разработанная художником. С середины 20-х годов образы Пикассо - сплав
презрения, сострадания, предостережения. Они уже предвосхищают "искусство
жестокости", "искусство абсурда", сложившиеся как течения после Второй мировой
войны. Его реакция на окружающую действительность прорывается в мрачных,
гротесковых полотнах "Плачущая женщина" (1937), "Мечты и ложь генерала Франко"
(1937), "Кот и птица" (1939). Кульминацией его гнева, вершиной его гуманизма
стала "Герника" (1937) - негодующий протест против косной замкнутости,
безразличия, равнодушия - против всего того, что сделало фашизм возможным".
26 апреля 1937 года немецкая и итальянская авиация до основания разрушили
небольшой городок басков Герника За два месяца Пикассо создает свою знаменитую
картину.
Известному советскому художнику П.Д. Корину посчастливилось увидеть "Гернику" в
Нью-Йорке: "До тех пор, пока не видал я подлинника, я не понимал этого
произведения, не понимал вообще такого искусства. Но когда увидел это полотно,
этот большой холст, прекрасную тональность, волевую, энергичную прорисовку
деталей, меня это захватило. Я с сомнением приближался к "Гернике" - нежданно
картина произвела огромное впечатление... И после того, что я увидел, я изменил
к Пикассо отношение, он стал для меня большим мастером. Я почувствовал: много
мучений, много дум вкладывает он в искусство. Я понял: это - настоящее, большое
искусство. Я художник и не могу не видеть, если красиво, если правда..."
Несмотря на опасность, ежедневно, ежечасно угрожавшую ему в столице Франции,
Пикассо прожил здесь всю оккупацию с 1940 по 1944 год.
В августе 1944 года Париж освободили В октябре того же года в Осеннем Салоне,
носившем название "Салон освобождения", открыли выставку. В экспозиции особое
место уделялось Пикассо - семьдесят четыре полотна и пять скульптур
Годы оккупации Франции не прошли для художника бесследно. "Кем, вы думаете,
является художник9 - писал Пикассо во французской газете 24 марта 1945 года. -
Не глуп ли художник, если он имеет только глаза, или музыкант, если он имеет
только уши?.. Художник - это одновременно и политическое существо, постоянно
живущее потрясениями, страшными или радостными, на которые он всякий раз должен
давать ответ. Как можно не чувствовать
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
интереса к другим людям и считать своим достоинством железное безразличие,
отделение себя от жизни, которая так многообразно предстает перед нами? Нет,
живопись делается не для украшения жилища. Она инструмент войны для атаки и
победы над врагом!"
В 1944 году Пикассо становится членом Французской компартии. Тема войны и мира
останется с Пикассо надолго: он создаст картины "Война" и "Мир" для Храма мира в
Валлорисе. Своеобразным обобщением станет знаменитый "Голубь мира" (1950),
ставший эмблемой сторонников мира. В 1951 году Пикассо напишет картину "Война в
Корее".
Начиная с сороковых годов искусство Пикассо обретает более устойчивые формы.
Пикассо стремится к большему единству стиля, например серия "Художник и модель".
В 1947 году Пикассо приезжает в городок Валлорис - традиционный центр керамики
на юге Франции. Он изготавливает здесь блюда и сосуды самых разнообразных форм,
способствуя возрождению традиционного ремесла.
"В 1954 году я поехал к нему в Валлорис, - вспоминает И. Эрен-бург. - Он был
знаменит и сед, но, как прежде, не переставая работал; в мастерской нельзя было
повернуться - холсты, папки с рисунками, скульптура. Четыре года спустя я увидел
его в Каннах. На мольбертах были начатые холсты, на столе рисунки. Ему было
семьдесят семь лет, но он напоминал мне молодого, тридцатичетырехлетнего
художника, кодорый когда-то показывал мне свои куби-стические холсты. Он
работает каждый день с утра до ночи. О нем нельзя сказать, что он трудолюбив, -
в работе он воистину неистов".
В 1956-1957 годах Пикассо исполняет панно для здания ЮНЕСКО в Париже. Создает
ряд произведений для Музея Гримальди в Антибе, который вскоре получает название
"музей Пикассо".
"В 1960-е гг. Пикассо пишет своеобразные вариации на темы прославленных картин
знаменитых мастеров прошлого ("Менины" Веласкеса, "Расстрел повстанцев" Гойи,
"Завтрак на траве" Мане и др.). Трактуя их в гротескно-кубистическом стиле,
художник дает волю своей неуемной фантазии, убирая фигуры или добавляя
вымышленные. Написанные небрежно холсты "позднего Пикассо" представляют любимые
им сцены: художник и модель, образы античной мифологии, натюрморты, цирковые
мотивы и мотивы боя быков; часто он обращается к женскому портрету" (В С.
Турчин).
В 1958 году Пикассо приобретает замок Вовенарг близ Экса. После женитьбы в 1961
году на Жаклин Рок художник поселяется с ней в Нотр-Дам-де Ви в Мужене.
"В пейзажах "Деревня Вовенарг" (1959), "Дома перед Эстерель" (1965) Пикассо уже
не подчеркивает объемные формы.., а изображает дома так, что зритель прежде
всего замечает плоскости стен, параллельные плоскости холста. Гораздо большее
внимание уделяется растительности, переданной широкими, гибкими мазками.
Колористическая гамма не столь яркая. Сочетание зеленых, серых,
АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ
сиреневых тонов изысканно. Художник, отметивший недавно свое девяностолетие,
продолжает меняться, эволюционирует".
До последних лет художник продолжал интенсивно работать. В 1968 году он за семь
месяцев исполнил 347 гравюр!
Умер Пикассо 8 апреля 1973 года.
АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ
(1884-1920)
Известный критик Поль Юссон писал в 1922 году о Модильяни: "После Гогена он,
несомненно, лучше всех умел выразить в своем творчестве чувство трагического, но
у него это чувство было более интимным и обычно лишенным какой-либо
исключительности.
...Этот художник носит в себе все невысказанные стремления к новой
выразительности, свойственные эпохе, жаждущей абсолютного и не знающей к нему
путей".
Амедео Модильяни родился 24 апреля 1884 года в семье итальянских евреев. Его
отец, Фламинио Модильяни, после банкротства своей конторы "Дрова, уголь",
возглавил контору посредника. Мать, Евгения Гарсен, происходила из купеческой
семьи.
Мальчика отдали в гимназию, где он получил хорошее образование. Летом 1895 года
мать записала в дневнике "Дэдо перенес тяжелейший плеврит, он так напугал меня,
что я до сих пор не могу прийти в себя. Характер этого ребенка еще не до конца
сформировался, и я пока не берусь высказывать свое мнение. Ведет он себя как
избалованный, но неглупый мальчик. Мы скоро узнаем, что таится в этой куколке. А
вдруг художник?" 17 июля 1898 года она запишет: "Дэдо сдал экзамены неважно.
Ничего удивительного, он плохо занимался весь год. 1 августа он начинает брать
уроки рисования, он давно этого хочет. Он положительно чувствует себя
художником, я специально не очень поощряю его, я боюсь, что он забросит школу
ради призрачной мечты. Я просто хотела пока чем-то порадовать его, чтобы хоть
немного вывести из состояния вялости и тоски, которое понемногу овладевает всеми
нами".
И, наконец, 10 апреля 1899 года словно подводит итог: "Дэдо броА
Модильяни
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
сил лицей и ничем больше не занимается кроме живописи. Но зато живописью он
занимается каждый день и целый день, с неослабным рвением, которое меня и
удивляет и восхищает".
В 1898 году мальчик переболел брюшным тифом. В том же году он начинает посещать
занятия в школе живописи Габриэле Мике-ли, ученика известного художника Джованни
Фаттори Эти занятия прекратились в конце 1900 года, когда Амедео снова заболел -
тиф дал осложнение на легкие. По совету врачей он отправился на юг и два года
прожил в Неаполе. Там он впервые начал рисовать скульптуру и архитектуру. В
этюдах скульптур неаполитанских соборов уже видны овалы его будущих картин.
В 1902 году Модильяни вернулся в Ливорно, но вскоре вновь покинул родину. 7 мая
1902 года Модильяни записался в Свободную школу рисования обнаженной натуры во
Флоренции. Здесь, на ветхом, плохо отапливаемом чердаке, старый Фаттори воспитал
в нем убежденность в высоком духовном предназначении искусства. От него
Модильяни перенял непреходящую любовь к линии, простоте формы при постоянном
сохранении объема.
В марте 1903 года Амедео уже записывается в Свободную школу обнаженной натуры
Института изящных искусств Венеции.
Ранние пейзажи ("Дорога в Сальвиано") и портреты ("Сидящий мальчик") исполнены в
манере мастеров тосканской школы маккь-яйоли, к которой принадлежал Фаттори, и
отмечены интересом к разработке проблемы цвета на пленэре.
Журналист и художник Гастон Радзагута пишет о том времени "Когда Амедео
Модильяни, которого все звали Дэдо, был изысканным, прилежным и воспитанным
юношей, он рисовал с большим рвением, и никаких искажений не было... Он почти
всегда изображает сидящего человека, руки лежат на коленях. Конечно, это
естественная поза покоя, но в ней к тому же есть что-то типично тосканское, ее
можно найти и у Фаттори. Это свойственное итальянцам видение покоя, отдыха
Модильяни вывез во Францию и там драматизировал".
С помощью дяди, банкира Амедео Гарсена, Модильяни несколько раз ездит в Венецию.
Но постепенно начинает понимать, что должен попасть в Париж, который тогда
считался художественной Меккой.
В 1906 году Модильяни наконец поселяется в Париже: "Живопись очевидно сильнее
моих желаний, она требует, чтобы я жил в Париже, атмосфера Парижа меня
вдохновляет. В Париже я несчастлив, но что уж верно - работать я могу только
здесь".
Вначале он записался в Академию Коларосси, но вскоре покинул ее, поскольку не
мог смириться с рамками академической традиции. Модильяни снимает мастерскую на
Монмартре, где и появились его первые парижские работы. Через год художник
переезжает с Монмартра. В то время у него появляется почитатель - доктор Поль
Александр. Вместе с братом доктор содержал своеобразный приют для бедных
художников Там Модильяни и поселился осенью
АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ
1907 года. Именно Александр стал покупателем "Еврейки", за которую тогда
заплатил всего двести франков.
А чуть позже Александр убедил Модильяни отдать работы на выставку Салона
независимых. В конце 1907 года там были выставлены пять произведений
итальянского мастера. Знакомые доктора раскупили эти картины. Осенью Модильяни
снова выставляется в Салоне, но на это раз его работы никто не покупает.
Депрессия, полное одиночество, в котором художник оказался из-за своего
"взрывного" характера, пристрастие к алкоголю стали причиной появления
своеобразного внутреннего барьера, который так мешал художнику все последующие
годы
"В кафе "Ротонда" на бульваре Монпарнас, где собирались писатели и художники,
Модильяни был в кругу друзей, живших, как и он, проблемами искусства, - пишет Е
Д. Федотова. - В эти годы художник обостренно ищет свою "линию души", как назвал
творческие поиски Модильяни тех лет его друг, поэт Жан Кокто. Если первые
произведения парижского периода исполнены в манере, близкой графике ТулузЛотрека,
то уже в 1907 году художник открыл для себя живопись Сезанна,
познакомился с Пабло Пикассо и некоторое время находился под влиянием этих
мастеров, о чем свидетельствуют работы 1908-1909 годов ("Еврейка", 1908,
"Виолончелист", 1909).
Особенно важную роль в формировании индивидуального стиля Модильяни сыграло
также его увлечение африканской скульптурой, ее грубовато-простыми, но
выразительными формами и чистой линией силуэта; вместе с тем искусство родной
Италии и прежде всего рисунок Боттичелли, живопись сиенского Треченто и
виртуозно сложная графика маньеристов - источники вдохновения мастера".
В 1909 году под влиянием Бранкузи и африканской скульптуры, в поисках
"идеального объема" художник начал занятия скульптурой. Эти поиски нашли
отражение и в живописи: в гармоничном отношении вогнутых и выпуклых планов, в
четкой грани между мотивом и фоном.
Эволюцию Модильяни этих лет прекрасно иллюстрируют три "Портрета Поля
Александра". Первый (1909) написан еще с сезанновской основательностью. Два года
спустя художник упростил и вытянул формы, перенеся акцент на линию, отказался от
деланной позы и увеличил роль освещения. Наконец, в третьем портрете (1913) фон
оживлен цветовыми штрихами, в то время как строение модели передано с большой
точностью вопреки еще большей стилизации лица
Наиболее полно талант Модильяни раскрылся в портретном жанре: "Человек - вот что
меня интересует. Человеческое лицо - наивысшее создание природы Для меня это
неисчерпаемый источник". Модильяни не умел работать долго, так же как он не умел
"писать с натуры". А.Сальмон рассказывает, как, попросив натурщицу
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
раздеться, Модильяни долго смотрел на нее и тут же предложил ей опять надеть
рубашку и платье; тогда начинал писать.
Для портрета г-жи Сюрваж ему понадобилось только, чтобы она села за рояль и чтонибудь
ему сыграла. Пока она играла ему пьесу Равеля, он за ней пристально
наблюдал. Потом сказал: "Этого достаточно" - и принялся быстро рисовать. На
другой день портрет был готов.
На протяжении 1914-1916 годов художник создает больше десяти портретов маслом и
множество рисунков - портретов Беатрис Хестингс и серию портретов и композиций:
"Крошка Луиза", "Прекрасная бакалейщица", "Красавица-хозяйка", "Новобрачные" и
др. В них освоение того, что дали кубизм и Сезанн, собственный опыт скульптора
дополняется постоянными поисками психологии персонажей
С 1914 по 1916 год Модильяни живет с английской поэтессой Беатрис Хестингс и
продает картины Полю Гийому. Хестингс была красива, изысканна, богата и очень
образованна.
"Творчество Модильяни в период этой связи очень интенсивно, произведения
уверенные и светлые, - пишет в автобиографической книге дочь художника Жанна
Модильяни. - Достаточно вспомнить два изящных портрета Беатрис в меховой шапочке
и клетчатом платье. В них отголоски кубизма (даже наклеен обрывок газеты),
резкий рисунок лица, интересная композиция подчиняются как второстепенные
музыкальные темы трепещущему, тонкому изменению цвета, который создает пластику
точно очерченных век, носа, рта.
Портреты Диего Риверы, Френка Хэвиленда и Беатрис за фортепьяно как будто
написаны рукой импрессиониста. Но я не согласна с Венту
...Закладка в соц.сетях
