Жанр: Энциклопедия
Сто великих художников
...не, были плодотворны в творческом
отношении, однако личная жизнь художника складывается тяжело: внезапная болезнь
матери, неудача в любви, едва не завершившаяся самоубийством подруги Ван-Гога,
смерть отца.
В декабре 1885 года Ван-Гог покидает родной город и уезжает в Париж. Ван Гог
приобщается к важнейшим явлениям художественной жизни Франции. Он посещает
богатейшие музеи, где видит произведения своего кумира - Милле и открывает для
себя Делакруа. Ван Гог знакомится с полотнами импрессионистов, гравюрами
японских мастеров Он встречается с Тулуз-Лотреком, Гогеном и Берна-ром, с
Писсарро и Дега, Синьяком и Сера.
Ван Гог не чувствует себя новичком, он равный среди равных Позднее Писсарро
говорил своему сыну Люсьену: "Я знал, что Ван Гог либо сойдет с ума, либо
оставит нас всех далеко позади. Но я никак не предполагал, что он сделает и то,
и другое".
В это время Винсент совершает два важных для себя открытия. Главным в живописи
для него становится цвет. Он начинает смешивать основные цвета с
дополнительными, холодные - с теплыми и добивается поразительных эффектов. В
определении своих пристрастий он проходит через увлечения японскими эстампами,
открыв Восток гораздо раньше представителей других авангардных течений.
Пережив ряд разочарований, Ван Гог решил для себя, что у художника не может быть
семьи. Теперь настоящая жизнь не сводится для него к семейному очагу, он
довольствуется случайными связями
В феврале 1888 года Ван-Гог покидает шумный Париж и поселяется на юге Франции в
маленьком провинциальном городке Арль. Здесь он создал замечательные пейзажи с
видами Арля и его окрестностей ("Жатва в Арле"; "Подъемный мост в Арле"). Он с
увлечением пишет весенние цветущие сады ("Дерево в цвету"), выполняет портреты
заинтересовавших его людей (несколько вариантов портрета "Почтальона Рулена",
членов его семьи, "Девушка из Арля"). Он обращается к изображению ночных сцен и
к передаче искусственного освещения.
ВИНСЕНТ ВАН ГОГ
355
"Ван Гог любил трагические цветовые диссонансы, сгущенные, воспламеняющие друг
друга цветовые созвучия. В "Красных виноградниках в Арле" (1888) захватывают
торжественная красочность и богатство напряженной жизни человека и природы.
Пурпурные, киноварные, буро-красные, малиновые, оранжевые, глубоко-черные, синие
цвета рождают напряженную цветовую оркестровку этой картины. Поразительно
одухотворенны изображения простых вещей. В интерьере "Спальня Ван Гога в Арле"
(1888) от покинутой комнаты художника веет тревогой и безнадежностью.
С особой силой раскрывается трагедия человеческой души в картине "Ночное кафе в
Арле" (1888). Здесь царит атмосфера бездомности, одиночества. Художник точно
вселяет в предметный мир свой мятущийся дух. Стремительно сокращающиеся
перспективные линии пола, жесткие угловатые столы и стулья, повышенная
интенсивность цвета и света - желтый свет керосиновых ламп, ярко-зеленое сукно
бильярдного стола, мрачная тень от него, красные стены и розовый пол, теряющиеся
в пространстве одинокие люди - все это рождает настроение зловещей тоски, острое
чувство диссонансов окружающей жизни" (Н.Л. Мальцева).
Приезд Гогена и совместная работа проявляют разные темпераменты художников, их
различия во взглядах на искусство. Болезненное состояние Ван Гога усиливается.
Гоген решает уехать.
Рассказывает Ю.Г. Шапиро: "Вечером 23 декабря 1888 года во время прогулки Гоген
услышал за спиной торопливые шаги и быстро обернулся как раз в тот момент, когда
Ван-Гог был готов броситься на него с бритвой. Гоген уходит ночевать в
гостиницу. В тот же вечер Ван-Гог в припадке безумия ранит себя, отрезав ухо. Из
госпиталя он выходит в январе 1889 года, однако болезнь все еще дает себя знать.
В конце февраля горожане ходатайствуют о помещении Ван-Гога снова в больницу. В
это тяжелое время созданы знаменитый ван-гоговский "Человек с трубкой" (1889) и
"Автопортрет с отрезанным ухом" (1889, два варианта), а также "Стул с табачной
трубкой" (1888-1889) - изображение желтого стула, на котором сидел Ван-Гог, при
дневном освещении и "Кресло Гогена при ночном освещении" - грустное воспоминание
о времени совместной работы и разлуке.
В середине апреля 1889 года Ван-Гог узнает о женитьбе брата Тео. Чувствуя свое
одиночество, больной и отчаявшийся, он принимает добровольное решение уйти в
лечебницу в Сен-Реми..."
Находясь в больнице в течение года и пользуясь относительной свободой, Ван-Гог в
перерывах между обострениями болезни продолжает работу. Он пишет пейзажи,
изображающие сад лечебницы и живописные окрестности: "Большая дорога в Провансе"
(1890) и "У подножия Альп" (1890), "Желтые хлеба с кипарисами" (1889) и др.
В мае 1890 года Ван Гог выходит из больницы и поселяется в небольшой деревушке
Овер-сюр-Уаз под Парижем. Вид этой местности вызвал в нем прилив творческих сил
Ван Гог работал с ран356
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ 1
него утра и до вечера, исполнив за последние два месяца жизни 70 картин и 32
рисунка. Контраст южной и северной природы обострил его зрение "Я .. замечаю,
что пребывание на юге помогло мне лучше увидеть север", - признавался Ван Гог
Для работ, написанных здесь, характерны сумрачные цветовые сочетания,
деформированные деревья и архитектурные объемы: "Часовня в Овере" (1890),
"Вороны в пшеничном поле" (1890), "Хижины" (1890).
Другого плана картина "Пейзаж в Озере после дождя", являющаяся блестящим
образцом позднего стиля художника. Здесь всегда присущие ему повышенная
звучность красок, напряженный динамизм колорита, композиции и мазка, обостренно
лирическое восприятие природы достигли высшей степени интенсивности.
Этот пейзаж был написан во время пребывания Ван Гога в лечебнице для
душевнобольных в Овере незадолго до того, как измученный, окончательно
изуверившийся в жизни и собственном творчестве, художник выстрелом из пистолета
ранит себя и умирает. Произошло это 29 июля 1890 года.
Всю жизнь Ван Гог мечтал о небольшой - в пределах нескольких тысяч франков -
сумме, которая дала бы ему возможность спокойно работать Через двадцать лет
после смерти Ван Гога "Пейзаж в Овере" и "Красные виноградники" были куплены
известным русским собирателем И.А. Морозовым за 33 тысячи золотых рублей. Только
части этих денег было бы достаточно, чтобы на многие годы продлить жизнь и
творчество Ван Гога - одного из крупнейших художников XIX века.
В 1987 году картина Ван Гога "Ирисы" (1889) была продана на аукционе Сотбис в
Нью-Йорке за рекордную цену в 53,9 миллиона долларов Его золотые подсолнухи
украшают лучшие коллекции мира.
МИХАИЛ АЛЕКСАНДРОВИЧ ВРУБЕЛЬ
(1856-1910)
Блистательному, самобытному художнику XIX - начала XX века М А. Врубелю были
подвластны монументальные росписи, станковая живопись, графика, скульптура.
Судьба художника трагична- он много страдал и даже годы находился на грани
безумия. Врубель много экспериментировал с красками, и поэтому часть его полотен
выцвела. Однако и то, что сохранилось, позволяет судить о мощи его гения.
Михаил Александрович Врубель родился в Омске 5 марта 1856 года Мать умерла,
когда ему исполнилось всего три года. Семья офицера Александра Михайловича
Врубеля часто переезжала из города в город. В пять-шесть лет мальчик начал
рисовать, и в воМИХАИЛ
АЛЕКСАНДРОВИЧ ВРУБЕЛЬ
семь лет, когда Врубели жили в Петербурге, отец привел его в рисовальную школу
Общества поощрения художеств. Когда на следующий год семья переехала в Саратов,
маленькому Михаилу наняли преподавателя рисования.
"В Саратов была привезена однажды., копия с фрески Микелан-джело "Страшный суд",
- рассказывала сестра Михаила Анна. - Отец, узнав об этом, повел брата смотреть
ее. Брат усиленно просил повторить осмотр... и, возвратясь, воспроизвел ее
наизусть во всех характерных подробностях".
Много времени отнимают учеба в гимназии, занятия историей и естествоведением.
Рисует Врубель лишь урывками, да и то обыкновенно по просьбе отца.
Гимназические годы Врубель в основном провел в Одессе. Со слов сестры мы знаем,
что в эти годы он увлекается "историей, по которой пишет сверх нормы большие
сочинения на темы античной жизни и средневековья". Он основательно изучает
латинский язык и читает в подлинниках Овидия и Горация.
После окончания гимназии Михаил в 1874 году поступает на юридический факультет
Петербургского университета. Здесь он продолжает рисовать Известны некоторые из
рисунков Врубеля того периода: это "Врубель со своим университетским товарищем
Валуевым" (1877), "Маргарита" (1877) - иллюстрация к гётевскому "Фаусту". Но
лишь на последних курсах университета Врубель приобщается к профессиональному
обучению искусству: начинает посещать в вечерние часы класс профессора П П.
Чистякова.
Однако все снова прерывается, когда по окончании университета Врубель отбывает
воинскую повинность. Наконец, в 1880 году Михаил становится студентом
Академии художеств.
С особой благодарностью Врубель говорит об одном из своих академических учителей
- П.П. Чистякове, в классе которого он вновь стал заниматься с осени 1882 года:
"Когда я начал занятия у Чистякова, мне страсть понравились основные его
положения, потому что они были не что иное, как формула моего живого отношения к
природе, какое мне вложено". Врубель испытывает постоянную потребность общения с
Чистяковым, что- ф бы у него "хлебнуть подкрепляю- '*¦ щего напитка советов и
критики".
Будучи в академии, Врубель
много и упорно работает самостоя- М.А. Врубель
тельно.
Автопортрет
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
МИХАИЛ АЛЕКСАНДРОВИЧ ВРУБЕЛЬ
Врубель рисует и пишет акварелью без устали, не переставая изучать законы
старого искусства. Работоспособность его удивительна. Как-то за одну ночь он
делает стофигурную (!) композицию "Орфей в аду"
Михаил близко сходится с двумя своими однокурсниками - с Валентином Серовым и с
его двоюродным братом Дервизом. "Мы трое, - сообщает Врубель, - единственные,
понимающие серьезную акварель в Академии".
Они пишут акварелью натурщицу в обстановке "ренессанс". Врубель говорит в
письмах, что их связывает "культ глубокой натуры", что они, "занятые с утра до
вечера изучением натуры, как формы, жадно заглядывающиеся в ее бесконечные
изгибы и все-таки зачастую сидящие с тоскливо опущенной рукой перед своим
холстом, на котором все-таки видишь еще лоскутки... не могли вырвать всего этого
из сердец .." И далее он пишет: "Я прильнул, если можно так выразиться, к
работе; переделывал по десяти раз одно и то же место, и вот, с неделю тому назад
вышел первый живой кусок, который меня привел в восторг".
Уже в ранних работах Врубеля намечались черты, отличавшие его среди академистов.
Он слыл, и по заслугам, мастером акварели и удивительным композитором массовых
сцен. Свой виртуозный рисунок и свой дар композитора Врубель продемонстрировал,
в частности, на многофигурных библейских сценах во "Введение во храм" (1882).
Вместе с тем в ранний период своего творчества он создавал правдивые,
проникновенные портреты, в которых умел передать сосредоточенное душевное
состояние человека.
В 1884 году Врубель бросил академию. Он принял предложение А.В. Прахова
переехать в Киев и возглавить там работы по реставрации живописи в древней
Кирилловской церкви. Речь шла не только о восстановлении фресок, но и о создании
новых произведений взамен утраченных.
Художник изучает не только отечественные росписи, но знакомился и со многими
произведениями подобного рода в Венеции, куда он был отправлен в 1884 году.
Увы, эскизы росписи для Владимирского собора, созданные Врубелем в 1887 году, не
были осуществлены вследствие их крайней необычности. Врубель нарушил церковные
каноны и создал свободные композиции, придерживаясь только темы, но не ее
канонического решения. Он написал акварелью "Ангела с кадилом и свечой", четыре
варианта "Надгробного плача", два варианта "Воскресения".
В эскизе "Надгробный плач" (1887) резко индивидуальный облик богоматери с
горящими глазами, расширенными ужасом и скорбью, соответствует столь же
экспрессивному образу Христа, лежащего в гробу. Художник стремился потрясти
зрителя изображением безмерной скорби и страдания.
Выработанные Врубелем принципы стенной декоративной живописи позднее
переносились им в станковые работы.
Врубель писал из Киева, что, увы, "на творчество рассчитывать нельзя", что для
него работа с натуры - "средство прокормления". Но о "прокормлении" он меньше
всего думал Отец, навещавший его в Киеве, неизменно с огорчением и тревогой
сообщал в письмах: "Идо чего дожил Миша с его талантами .. средств к жизни почти
никаких". Но Врубель верил в свой дар, он писал: "Мания, что непременно скажу
что-то новое, не оставляет меня".
Все девяностые годы Врубеля занимала тема Демона и зла.
Еще в 1885 году, сразу после возвращения из Венеции, Врубель так описывал своего
"Демона" отцу: "Дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при
всем том Дух властный и величавый".
Художник показал своего первого, так называемого "Демона (сидящего)" уже в
Москве, куда он переехал в 1889 году: "юный титан изображен в лучах заката на
вершине скалы Могучее прекрасное тело словно не умещается в раме, заломлены
руки, трогательно прекрасно лицо, в глазах нечеловеческая скорбь", - описывает
картину Н.А. Федорова. В 1899 году он пишет "Демона летящего", перед которым
вспоминаются слова Блока: "Летим, летим над бездной, среди сгущающейся тьмы..."
Но Врубель не завершает это полотно и приступает к упорной работе над иным
образом Демона, который получил название "Демон поверженный" (1902).
Тема этого последнего Демона - титанический протест и трагическая гибель.
Демон низвергнут с высот и распростерт на горных кряжах, покрытых вечным снегом
и льдом, освещенных последними холодными лучами заката. Демон разбит, сломаны
руки с заостренными впивающимися в тело пальцами, голова как бы оторвана от
лежащего тяжелым камнем торса... Но в его глазах продолжает гореть огонь гнева и
протеста.
"Демон поверженный" отличен от первого врубелевского "Демона" и по образу и по
живописному решению. Здесь нет той широты цветового диапазона, которая была в
раннем "Демоне", тех звучных сияющих пятен цвета, которые были рождены темой
красоты жизни. Здесь все построено в темной напряженной красочной гамме только
холодных синих и черных тонов, все желтые тона притушены серым и зеленоватым, а
красные - даны разбеленными и лишь в самых холодных, фиолетовых своих оттенках".
В 1889 году Врубель уезжает в Москву. Так начинается новый и самый плодотворный
период его творчества. Художник получает ряд заказов на декоративные панно Одно
из них - "Венеция" (1893) - создано по впечатлениям от новой поездки в Италию
(1891 - 1892).
"Содержание картины "Испания" (1894), возможно, навеяно оперой "Кармен", которую
Врубель очень любил и считал "эпохой в музыке", - считает Н.А. Федорова. -
Взволнованность персонажей, напряженность цвета, поток лучей знойного солнца
вызывают ощущение конфликта, драмы Живой предстает страна, в которой кипят
пылкие чувства, сильны и любовь, и ненависть. В некоторой
збо
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
близости к этой картине - "Гадалка" (1895), произведение глубоко
психологическое. Среди лилово-розового мерцания ковра и шелковых тканей Врубель
мастерски выделяет лицо. Властно влечет пристальный взгляд горящих глаз, словно
перед женщиной раскрылась страшная тайна будущего".
После "Венеции" влечение Врубеля к большому стилю проявилось также в его
огромных многометровых панно "Принцесса Грёза" и "Микула Селянинович",
исполненных для Всероссийской Нижегородской выставки 1896 года, а также в цикле
панно на сюжет из "Фауста" Гёте для "готического кабинета" в особняке А.В.
Морозова.
В эту пору Врубель много работает над портретами. Как и все искусство художника,
его портретная живопись остропсихологична. Врубеля больше всего привлекает в
изображаемом им человеке его внутренний мир. Он стремится заглянуть в самую
глубину души, постичь сокровенные мысли и чувства. Круг портретируемых довольно
узок. Это преимущественно люди, близкие художнику.
Блестящие примеры портретной живописи Врубеля - портреты К.Д. Арцыбушева и С.И.
Мамонтова (оба- 1897). О портрете Ар-цыбушева говорит Н.В. Баркова: "Портрет
прекрасен не только глубокой психологической характеристикой личности человека,
но и своими живописными достоинствами. Поразительна пластическая лепка лица и
рук. Артистически свободно написаны черный костюм, темно-красный галстук, кресло
красного дерева, ковер, кожаные корешки книг. Синими искрами загораются стекла
пенсне. Врубель умеет извлечь красивые, красочные созвучия из самых обыкновенных
предметов. Вся цветовая композиция приведена в единство. По своему
реалистическому мастерству и силе характеристики портрет этот занимает
выдающееся место в портретной живописи конца XIX столетия".
Врубель страстно любил музыку. В конце девяностых годов он работает художником в
театре. Для Московской частной оперы СИ. Мамонтова он пишет декорации к операм
"Царская невеста", "Моцарт и Сальери", "Сказке о царе Салтане". Главные женские
роли в этих спектаклях исполняла жена Врубеля, талантливая певица Надежда
Ивановна Забела.
В 1896 году на одной из репетиций оперы Хумпердинка "Гензель и Гретель" в
Панаевском театре в Петербурге Врубель впервые услышал ее пение. Певица
вспоминает: "Я была поражена и даже несколько шокирована тем, что какой-то
господин подбежал ко мне и, целуя мою руку, воскликнул: "Прелестный голос!"
Стоявшая здесь Т.С. Любатович поспешила мне представить: "Наш художник Михаил
Александрович Врубель" и в сторону мне сказала: "Человек очень экспансивный, но
вполне порядочный".
После премьеры оперы "Гензель и Гретель" Забела привезла Врубеля в дом Ге, где
она тогда жила. Ее сестра "заметила, что Надя как-то особенно моложава и
интересна, и сообразила, что это от атмосферы влюбленности, которою ее окружал
именно этот Врубель".
МИХАИЛ АЛЕКСАНДРОВИЧ ВРУБЕЛЬ
Врубель потом говорил, 4TQ, "если бы она ему отказала, он лишил бы себя жизни".
28 июля 1896 года в Швейцарии состоялась свадьба Забелы и Врубеля. Счастливая
новобрачная писала сестре: "В Мих[аиле] Ал[-ександровиче] я каждый день нахожу
новые достоинства; во-первых, он необыкновенно кроткий и добрый, просто
трогательный, кроме того, мне всегда с ним весело и удивительно легко. Я
безусловно верю в его компетентность относительно пения, он будет мне очень
полезен, и кажется, что и мне удастся иметь на него влияние".
В 1899 и 1900 годах Врубель заведовал Абрамцевской майоликовой мастерской и там
оставил ряд интересных скульптур-майолик на сказочные темы: "Лель", "Волхова".
"Купава".
О картинах Врубеля конца девятнадцатого столетия интересно высказывается
известный критик В.М. Алпатов: "Среди произведений Врубеля имеются такие, в
которых он занимателен как рассказчик и которые потому нетрудно передать
словами; такова его картина "К ночи" (1900) с пасущимися среди озаренной цветами
лужайки конями, которых стережет голый сатир, таков его "Пан" (1899), лохматый
старик, сжимающий флейту в волосатой руке, угрожающе страшный среди ночного
пейзажа с ущербной луной над горизонтом, такова "Царевна Лебедь" (1900),
большеглазая гордая красавица в низанном жемчугом кокошнике с лебедиными
крыльями, отливающими сиреневыми оттенками. Все эти произведения в силу
занимательности, сказочности своего сюжета пользуются наибольшей известностью,
хотя в них проглядывает нечто от оперной бутафории или от мифологических картин
Беклина".
В полотне "Сирень" (1900), одной из вдохновеннейших своих картин, Врубель не
только поэтически передал пышно расцветший куст сирени, но и то полное страстной
патетики чувство, которое пробудили в его душе благоухающие весенние цветы
лунной ночью.
Летом 1901 года в семье Врубелей появился первенец - Саввоч-ка. С самого
рождения мальчик болел и через два года умер. Возможно, это стало причиной того,
что в 1902 году у Михаила Александровича проявились признаки душевной болезни.
Болезнь прогрессировала, но в периоды ясного сознания художник снова работал.
Доктор Усольцев, лечивший Михаила Александровича, пишет: "Это был художниктворец
всем своим существом, до самых глубоких тайников психической личности. Он
творил всегда, можно сказать, непрерывно, и творчество было для него так же
легко и так же необходимо, как дыхание. Пока жив человек, он все дышит, пока
дышал Врубель - он все творил".
В последние годы жизни Врубель создает один из самых нежных, хрупких образов -
"Портрет Н.И. Забелы на фоне березок" (1904). К этому же времени относятся
интересные автопортреты. В 1906 году Врубель начал портрет поэта В.Я. Брюсова.
Портрет остался незаконченным, так как художника постигло страшное несчастье -
он ослеп.
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
Михаил Александрович Врубель умер 1 апреля 1910 года, восприняв смерть как
избавление. Поэт Александр Блок сказал над могилой художника: "Врубель пришел к
нам как вестник, что в лиловую ночь вкраплено золото ясного вечера. Он оставил
нам своих Демонов, как заклинателей против лилового зла, против ночи. Перед тем,
что Врубель и ему подобные приоткрывают человечеству раз в столетие, я умею лишь
трепетать".
ИСААК ИЛЬИЧ ЛЕВИТАН
(1860-1900)
Б.В. Иогансон пишет: "Глаз Левитана был настолько нежен, что малейшая фальшь или
неточность в колорите были у него немыслимы. Эта высокая одаренность художника
тончайшим "слухом живописи" позволяла ему в большей степени, чем его
сверстникам, передавать тончайшие состояния природы. Его художественная скрипка
пропела нам о незабываемых красотах скромной русской природы".
Исаак Ильич Левитан родился 30 августа 1860 года в посаде Ки-барты, близ города
Вержболова Ковенской губернии, неподалеку от западной границы Российской
империи. Его отец, Исаак Ильич, работал в Ковно переводчиком при французской
строительной компании. В семье кроме Исаака было еще трое детей. Чтобы
прокормить большую семью, отец, владеющий иностранными языками, давал еще
частные уроки.
В начале семидесятых годов Левитаны переезжают в Москву, в надежде улучшить
материальное положение. Однако и здесь были те же лишения и невзгоды. С.Шпицер
пишет со слов сестры художника: "Оба мальчика Левитана уже подросли. Старший
начал обнаруживать некоторые способности к рисованию. Отец, обратив на это
внимание, определил его в Московское училище живописи, ваяния и зодчества.
Младший же сын, Исаак (впоследствии знаменитый пейзажист и академик), которому в
это время было девять лет, особых склонностей к рисованию не обнаруживал. Через
некоторое время, только потому, что старший сын уже учился в школе живописи,
родители решили определить туда же и младшего сына".
Так в сентябре 1873 года Исаак становится учеником Московского Училища живописи,
ваяния и зодчества.
Когда в 1877 году в училище создается пейзажная мастерская, Левитан переводится
туда. Руководителем этой мастерской становится выдающийся русский пейзажист А.К.
Саврасов. "С Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь
к своей родине", - говорил Левитан.
Вторая половина семидесятых годов - самое тяжелое время в жизни Левитана. В 1875
году скончалась мать, а затем, в 1877 году,
ИСААК ИЛЬИЧ ЛЕВИТАН
збз
умирает и его отец. Сам он крайне нуждается. Однажды Левитану грозило даже
увольнение из Училища за невзнос платы за обучение. Дело кончилось тем, что
плату тайком внесла одна из знакомых, некая С.Малкиель.
Художник Нестеров, товарищ Левитана по училищу, вспоминает: "Левитан сильно
нуждался, про него ходило в школе много полуфантастических рассказов. Говорили о
его большом даровании и о великой его нужде. Сказывали, что он не имел иногда и
ночлега. Бывали случаи, когда Исаак Левитан после вечерних классов незаметно
исчезал, прятался в верхнем этаже огромного старого дома Юшкова, где когда-то,
при Александре I, собирались масоны, а позднее этот дом смущал московских
обывателей "страшными привидениями". Вот здесь-то юный Левитан, выждав последний
обход опустелого училища солдатом Землянкиным, прозванным "Нечистая сила",
оставался один коротать ночь в тепле, оставался долгий зимний вечер и долгую
ночь с тем, чтобы утром, натощак, начать день мечтами о нежно любимой природе".
Учился Исаак успешно. В марте 1877 года на ученическом отделе Пятой Передвижной
выставки были выставлены два пейзажа Левитана - "Солнечный день. Весна" и
"Вечер". За одну из этих работ молодой художник получил малую серебряную медаль.
Показанную на выставке 1879-1880 годов картину "Осенний день. Сокольники"
приобрел сам П.М. Третьяков, что было в то время своего рода общественным
признанием художника. В 1881 году Левитан получает за рисунок с натуры малую
серебряную медаль.
В 1882 году вместо Саврасова руководить мастерской стал другой известный
художник - В.Д. Поленов. Будучи сам превосходным пейзажистом, Поленов,
несомненно, оказал большое и существенное влияние на Левитана, как и на других
его молодых современников Он помог им в сложении их нового подхода к пейзажной
живописи, в понимании пленэризма. Воздействовали на Левитана, в частности,
палестинские этюды Поленова, эти превосходные образцы пленэрной живописи.
К.А. Коровин рассказал в своей книге такой забавный случай из студенческой жизни
Левитана:
Экзамен анатомии.
- Ну-с, возьмите вы череп, - предлагает профессор Тихомиров Левитану.
- Не могу, - отвечает Левитан. Тихомиров удивленно смотрит на
него:
- Почему не можете?
- Это ужасно! Это смерть! Я не могу И.И. Левитан. видеть мертвых,
покойников... Автопортрет
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
Выручил профессор Петров. Засмеялся и заметил, показывая на нас:
- Они - пейзажисты. Почему их внесли в списки? Им нужно писать с натуры природу.
Теперь май, весна, ступайте...
Он нам махнул рукой...
Выйдя на улицу, мой брат, смеясь, говорил Левитану:
- Ну, знаешь ли, Исаак, ты - Гамлет... Сцена с черепом тебе удалась".
В начале 1883 года Левитан оканчивает научный к
...Закладка в соц.сетях
