Жанр: Энциклопедия
Сто великих художников
...выполнять для содержания большой семьи, Крамской теряет последние
силы. Во время работы над портретом известного доктора К.А. Раухфуса он внезапно
наклонился и упал. Подбежавший Раухфус хотел оказать ему помощь, но художник был
мертв. Это случилось в 1887 году.
ПОЛЬ СЕЗАНН
(1839-1906)
Один из лучших французских художников Сезанн во многом определил развитие
современного искусства. Его мощная живопись, умение конструировать цветом форму,
достижения в передаче пространства и многие другие достижения творчества
привлекли к его наследию живописцев разных стран и направлений.
Девиз исканий художника: "Стать классическим посредством природы, то есть
посредством ощущений, поправить Пуссена в согласии с природой".
Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в маленьком провинциальном городке Эксан-Прованс.
Его отец был владельцем шляпного магазина. Он женился на матери
Поля, Анне-Элизабет, когда мальчику уже исполнилось пять лет.
Поль учился в одной школе с будущим известным писателем Эмилем Золя, который на
всю жизнь останется его самым близким другом. Мальчиков сближала любовь к
литературе, Поль в то время сочинял стихи на латинском или французском.
ПОЛЬ СЕЗАНН
295
В 1852 году Поль стал пансионером "Коллежа Бурбон". Здесь он пребывал до 1858
года, последние два года, до 1858 года, был приходящим учеником. В том же году
Поль начинает учиться в Муниципальной школе рисования, страсть к живописи
захватила его целиком. При поддержке матери и младшей сестры Мари он получает от
отца разрешение посвятить себя живописи и в 1861 году отправляется в Париж.
Некоторое время он учится в академии Сюиса, но уже в сентябре возвращается в
Экс. Поль устраивается служащим в отцовском банке и снова посещает рисовальную
школу. Через несколько месяцев уезжает в Париж, где проваливается на
вступительном экзамене в Школу изящных искусств. Вскоре Поль вновь возвращается
в столицу, снимает мастерскую. Отныне жизнь художника связана с двумя городами -
Парижем и Эксом.
Париж поразил Сезанна своими музеями. Художник называл Лувр "книгой, по которой
мы учимся читать", особенно выделял он испанских и венецианских живописцев.
Бывая в столице, Поль сближается с Писсарро, Моне, Сислеем, Ренуаром, Мане. Как
и его новые друзья, будущие импрессионисты, Поль охотно проводит время в
пригородах столицы: Понтуазе, Овере. Он много работает в окрестностях Экса - в
Эстаке, в Гарданне, в имении отца Жа-де-Буффан. Со временем поездки в Париж
становятся все более редкими.
Уже в ранних произведениях Сезанн ищет способы передачи материальной сущности
вещей. Его привлекает творчество Домье с остротой формы, динамикой, смелыми
контрастами темных и светлых цветовых пятен.
Творчество этого периода имеет ярко выраженный романтический характер:
"Убийство", "Натюрморт с черепом и подсвечником", "Оргия", "Человек в голубом
колпаке", "Дядюшка Доминик", "Девушка у пианино".
Можно выделить среди этих работ большой "Портрет отца". Таким образом, Поль,
наверное, хотел утвердиться в глазах отца как художник.
В 1870 году началась война с Пруссией. Отец дважды "выкупал" Поля, спасая от
призыва в армию. Художник уезжает в Эс-так, неподалеку от Марселя. Здесь он
живет с молодой натурщицей
Гортензией Фике. В 1872 году у П. Сезанн.
них рождается сын Поль. Автопортрет
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
Как рассказывает Ю.Г. Шапиро: "Брак долгое время держали в секрете от отца. Лишь
в 1878 году последний случайно узнал все и наказал сына, наполовину уменьшив
средства, которые давал ему на жизнь. Сезанн был вынужден вернуться в Экс,
временно оставив жену и маленького сына Поля в Марселе, где их поддерживал,
посылая деньги, Золя. Лишь в 1886 году художник смог официально оформить брак с
Гортензией Фике. А несколько месяцев спустя, после смерти отца, стал обладателем
значительного состояния".
После сближения с импрессионистами Сезанн часто пишет картины на пленэре. Вместе
с Писсарро художник работает в Понтуазе под Парижем (1872), а затем переезжает в
Овер, где остается до 1874 года.
В этот период Сезанн еще работает в манере импрессионистов, в живописи которых
главным была динамика изображения свето-воздушной среды. Его палитра с образами
Понтуаза заметно посветлела, очистилась от черных тонов. В ней зазвучали
насыщенные зеленые и золотистые тона. Отказавшись от построения формы с помощью
контуров, Сезанн начал лепить ее цветом, от чего форма сделалась более
пластичной и весомой. Его упрекают в искажении пропорций, передаче собственного
представления о предмете, называют неуклюжим и грубым.
В 1874 и 1877 годах Сезанн выставлялся вместе с импрессионистами. На первую
выставку импрессионистов художник представил три картины, в том числе "Дом
повешенного" (1873).
Удивительно, но, несмотря на критику, у этой картины нашелся покупатель. Он
объяснял удивленным знакомым: "У меня есть гарантия - личное письмо Клода Моне,
в котором он заверяет, что картина еще станет знаменитой. Я прикрепил это письмо
с задней стороны картины. Если недоброжелатели вздумают надо мной посмеяться, я
сразу покажу им письмо!"
На Сезанна нападали еще яростнее, чем на других художников-импрессионистов. Он
отошел от группы, постепенно уединился, стал подолгу жить в Эксе:
"Я решил молча работать вплоть до того дня, когда почувствую себя способным
теоретически обосновать результаты своих опытов", - писал художник.
Иллюзорная передача природы и нюансов освещения уже не удовлетворяет Сезанна.
Художник стремится показать мир объективно. Он хочет передать постоянные
качества природы, найти и запечатлеть на холстах тот извечный порядок и гармонию
мироздания, которые он не находил в разрываемой противоречиями социальной
действительности своего времени. На смену импрессионистическому "изображаю как
вижу" приходит сезанновское "изображаю как есть".
Начинается самый плодотворный период Сезанна - "класичес-кой живописи". Между
1882 и 1888 годами внимание его в основном сосредотачивается на пейзаже, в
котором художник стремится передать свои ощущения: "Поворот дороги" (1882),
"Маленький
ПОЛЬ СЕЗАНН
мост" (1882-1885), "Дома в Эстаке" (1882-1885), "Вид Гарданны" (1885-1886),
многочисленные изображения горы Сент-Виктуар (1885-1887), "Пейзаж с горой святой
Виктории" (1885-1887), виды Марсельской бухты.
Один из лучших пейзажей - "Мост через Марну в Кретёе" (1888). Здесь Сезанн
развертывает пространство в глубину, подчеркивая вместе с тем синтетичность
изображения, - отсюда его монументальность. В этом пейзаже достигнуто
совершенное равновесие между пустыми и заполненными местами картины, включая
отражения, которые, обладая необходимой прозрачностью, тем не менее создают
впечатление их объемности. Разнообразие цветов - желтых, красных, зеленых -
также включается в общую гармонию контрастов и оттенков синего цвета. Несмотря
на различие элементов, в пейзаже полностью достигнуто единство образа,
вызывающего представление о совершенстве, силе, уверенности и величии.
После 1890 года и до конца века лучшие шедевры Сезанна - это портреты:
"Курильщик" (1892), "Мальчик в красном жилете" (1890- 1895), "Пьеро и Арлекин"
(1888), "Мадам Сезанн в желтом кресле" (1890-1894), "Портрет садовника Валлье"
(1906).
В картине "Пьеро и Арлекин" художник использовал в качестве сюжета два персонажа
итальянской комедии масок... Персонажи являют собой вечный конфликт мечтательнобездеятельного
и демонически-активного начала. Для Сезанна главным были поиски
художественно-пластического решения. Напряженная, несбалансированная композиция,
схематизация фигур открывают пути к появлению экспрессионизма и кубизма.
"Портрет Поля Сезанна" (1890-1894), быть может, самый человечный из всех
автопортретов Сезанна. Изображение превосходно вписано в окружающее его
пространство, объемно выступая из него как внезапное и мощное видение. "Женщина
с кофейником" (1890 и 1894), обращенная лицом к зрителю, предстает перед нами
как монументальная башня, поражая массивностью своих форм. Положение фигуры в
пространстве и трактовка окружающей обстановки создают полное единство картины.
Ярко-синий цвет платья, облекающего мощное тело, контрастирует с нежным
серовато-розовым цветом фона и ярко-оранжевым тоном кожи.
По мнению Л. Вентури: "Картежники" (1890-1892), пожалуй, самая выдающаяся
композиция Сезанна. Он много раз изображал этот мотив с большим или меньшим
числом игроков, но, быть может, именно в этой композиции он достиг своей цели.
Цветовой эффект основан на контрастах между сине-фиолетовой курткой игрока,
сидящего слева, и желтой с синими тенями фигурой игрока справа и на контрасте
этих тонов с красными тонами фона и тел с желтым тоном стола. При помощи тысячи
нюансов эти тона создают объемность изображений. Их сила и характерность,
достоверность действия, крепость общей композиции показывают, что интенсивность
цвета не является препятствием для создания единства целого, а напротив,
подчеркивает его".
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
В середине девяностых годов Сезанн начинает работать над портретами, которые
требовали многочисленных сеансов (порой до ста) и оставались незавершенными -
"Портрет А. Воллара" (1899), "Портрет Г. Жеффруа" (1895).
"Творческие принципы Сезанна наиболее полно раскрылись в многочисленных
натюрмортах, - считает Н.Л. Мальцева. - Простые по мотивам, они всегда
торжественны, передают материальность мира вещей, как бы наполненного
значительным смыслом. Предметный мир в них раскрывается в движении и вместе с
тем в незыблемости своего бытия".
Свои первые натюрморты "Черные часы" и "Натюрморт с оловянным чайником" Сезанн
написал около 1869-1870 годов. Уже здесь содержание картины, связанное с
выразительностью сюжета, уступает место проблеме языка "чистой" живописи,
живописи как таковой.
Объекты картин Сезанна настолько вещественны, что кажутся ирреальными. Вместе с
тем он умеет обратить наше внимание на красоту вещи, как это видно по его
картинам "Горшок с геранью и фрукты" (1890-1894), "Натюрморт с драпировкой"
(1898-1899).
Всеобщее признание красоты натюрмортов Сезанна объясняется той убедительностью,
с которой он умеет доказать нам, что его "искривленное" видение более правдиво,
более достоверно и более жизненно, чем то восприятие реальности вещей, которое
свойственно простым смертным.
По своему художественному качеству одно из первых мест в длинном ряду подобных
натюрмортов занимает картина "Персики и груши" (1888).
Стремясь предельно выявить формы и объемы предметов, художник применяет новые,
не свойственные традиционной европейской живописи, средства выражения. Он
отказывается здесь от обычной светотеневой моделировки форм, когда иллюзия
объемов предметов создавалась посредством постепенного высветления их
поверхностей по мере приближения к более выпуклым их частям. Сезанн использует
оптический закон, по которому холодные тона воспринимаются человеческим глазом
как более отдаленные, а теплые кажутся находящимися ближе к поверхности холста.
Он как бы лепит объемы десятками мелких мазков, причем теплыми оттенками пишет
лежащие ближе к нам, а холодными - удаленные планы предметов.
В начале XX века Сезанн создает свою знаменитую теорию, по которой во многом
пойдет развитие авангардного искусства. В письме к своему единомышленнику,
художнику Бернару, он так излагает свои взгляды: "Нужно вернуться к классицизму
через природу, иначе говоря, через ощущение. В природе все лепится на основе
шара, конуса и цилиндра. Рисунок и цвет неразделимы, по мере того как пишешь -
рисуешь: чем гармоничнее делается цвет, тем точнее становится рисунок. Когда
цвет достигает наибольшего-богатства, форма
АЛЬФРЕД СИСЛЕЙ
обретает полноту. Контрасты и соотношения тонов - вот весь секрет рисунка и
моделировки".
Слава приходит к художнику в конце жизни. На картине "В честь Сезанна" Морис
Дени изображает вокруг мастера молодых художников, которые восхищаются им: это
сам Дени, Редон, Руссель, Серюзье, Вюйяр.
В 1904 году проходит большая ретроспективная выставка Сезанна в Осеннем Салоне.
На следующий год там же выставлены "Большие купальщицы", над которыми художник
работал семь лет. В Экс начинается паломничество художников, коллекционеров и
критиков. Сезанн оставался фанатиком живописи до своего последнего вздоха. В
конце жизни он из-за диабета уже не мог далеко ходить пешком, но каждый день в
любую погоду, невзирая на болезнь, отправлялся на этюды в повозке.
15 октября 1906 года он простудился, работая на натуре над картиной "Хижина
Журдина". 22 октября Сезанн скончался.
Только после смерти художника выяснится, какое огромное творческое наследие он
оставил после себя, - восемьсот с лишним полотен, около 350 акварелей и такое же
количество рисунков.
АЛЬФРЕД СИСЛЕИ
(1839-1899)
Пейзажи Сислея отличают особая лирическая тонкость и артистическое изящество
исполнения. А.Д. Чегодаев пишет о произведеА.
Сислей. Мороз в Лувесьене
зоо
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
АЛЬФРЕД СИСЛЕЙ
pi"'
ниях художника: "...Присмотревшись внимательнее к этим "естественно"
фрагментарным и на первый взгляд несложным пейзажам, начинаешь сомневаться, не
является ли вся эта "простота" хитроумно рассчитанной ловушкой, за которой
прячется такая изощренная утонченность лирического ощущения природы, какую можно
найти разве лишь в некоторых этюдах молодого Коро. Тогда Сис-лей предстает в
ином свете, как один из самых зорких и пристальных наблюдателей красоты
французской природы, умеющий извлекать чистое золото из самых обыденных и
незаметных, ничем, казалось бы, не примечательных мотивов. Такое благоговейно
восхищенное отношение к природе, сочетающееся с превосходным и точным знанием ее
сокровенных тайн и не видных обычному глазу драгоценностей, дает Сислею право на
гораздо большее внимание к себе, чем то, какое ему было отпущено неприветливой
судьбою, обрекшей прекрасного художника на ничем не прикрашенную и не имевшую
конца нищету".
Сам Сислей так представлял свое творческое кредо: "Сюжет, мотив должен всегда
трактоваться простым, понятным для зрителя и захватывающим его образом. В
результате удаления излишних деталей зритель выводится на путь, предуказанный
ему художником, и обращает внимание прежде всего и только на то, чем захвачен
сам творящий художник... После сюжета, как такового, к интереснейшим свойствам
пейзажа относятся движение, жизнь..."
Альфред Сислей родился 30 октября 1839 года в Париже в семье английского
коммерсанта. Первая поездка в Англию, которую он всегда воспринимал как
"заграницу", состоялась в возрасте 18 лет. Родители отправили его туда изучать
коммерцию. В Лондоне внимание Альфреда привлекли пейзажи английских художников
Констебля, Бонингтона, Тернера.
В 1861 году по возвращении в Париж Сислей поступил в мастерскую художника Г.
Глейра, художника академического направления в искусстве. Пожалуй, главный итог
пребывания в мастерской - знакомство с К. Моне, О. Ренуаром и Ф. Базилем.
Покинув в 1863 году вместе с друзьями мастерскую, Сислей начал писать с натуры.
Наиболее плодотворный творческий период пришелся на начало семидесятых годов,
когда он поселился с семьей под Парижем.
Простые по мотивам пейзажи посвящены в основном окрестностям Парижа, природе
Иль-де-Франса. Легкая нежность светлых красок прекрасно передает мягкую дымку и
холодную солнечность зимних и ранних весенних дней этих мест. Таковы
очаровательная "Маленькая площадь в Аржантее" (1872), "Мороз в Лувесьенне"
(1873), "Лодка во время наводнения" (1876), "Городок Вильнев-ла-Гаренн".
В 1872 году Сислей чаще всего работал в пригороде Парижа Аржантее на Сене. Так
появляется картина "Деревня на берегу Сены", произведение очень характерное для
творчества Сислея того времени. Темная оправа деревьев и листвы, избранная художником
для пейзажа, не просто должна порождать ощущение глубины. Благодаря ей
пленительнее лучится ласковый солнечный свет, в котором купается противоположный
берег. Пейзаж этот относится к тем живописным произведениям, которые, по словам
друга Сислея- Огюста Ренуара: "...возбуждают... желание прогуляться в глубину
их".
Группой друзей и единомышленников, в которую входил и Сислей, было создано
"Анонимное общество художников, живописцев, скульпторов, граверов и пр.",
устроившее в 1874 году свою первую выставку в помещении ателье фотографа Надара.
Вскоре эта группа молодых художников стала известна под именем "импрессионисты".
На выставке 1874 года было представлено пять пейзажей Сислея. Сегодня, стоя
перед ними, трудно представить, что они могут вызывать у кого-то возмущение. Но
в то время рецензии, появившиеся в печати в связи с выставкой импрессионистов,
были не просто недоброжелательными, но враждебными и даже оскорбительными.
Официальная критика негодовала.
На выставке 1874 года было много посетителей, но большинство из них даже не
делало попытки доброжелательно посмотреть на картины импрессионистов, задуматься
над ними. На эти картины показывали пальцами, над ними смеялись.
Таким же веселым развлечением для буржуазной публики стала и распродажа картин,
которую устроил Сислей вместе с Монэ, Ренуаром и Бертой Моризо. Во время
распродажи публика так бушевала, что для наведения порядка пришлось прибегнуть к
помощи полиции. Отрицательное или безразличное отношение публики влияло и на
материальное положение художника. Никто не хотел покупать его картин. На
распродажах они продавались по фантастически низким ценам. Сислей редко получал
за свой пейзаж больше 100 франков. Попытки найти покупателей за границей тоже не
увенчались успехом. Рассказывая в письме Клоду Монэ о том, что продажа картин не
идет на лад ни в Лондоне, ни в Париже, Писсарро говорил в том же 1883 году: "Что
касается выставки Сислея, то еще хуже, ничего, совсем ничего..."
Сислей зарабатывал деньги для своей семьи только продажей картин: "Я работаю так
много, как только могу .." Это отрывок из письма Дюран-Рюэлю. В другом критику
Т. Доре он пишет: "Я устал от этой жизни-прозябания, которую я претерпеваю столь
долго".
"...Нужно добиться, чтобы я имел возможность работать и в особенности показывать
свои картины в достойных условиях". Он боролся, не теряя веры в успех.
В этот тяжелый для художника период он пишет жизнерадостный пейзаж - "Берег Сены
в Сен-Мамме" (1881).
Мотив его прост - песок, вода, небо и солнце. Главное здесь, как и во многих
полотнах импрессионистов, - мягкий теплый солнечный свет. Это одна их тех вещей,
которым критик Сильвестр посвятил восторженные слова: "...Картины их написаны в
смеющейся
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
гамме. Свет заливает их полотна, и все в них - радость, ясность, весенний
праздник".
Н.Н. Калитина пишет: "Нигде, пожалуй, поэтичность дарования Сислея не
проявлялась так ясно, как в зимних пейзажах... Именно эта зима нашла в Сислее
своего певца. Для художника краски земли не исчезали совсем, а лишь приобретали
особую нежность, подернутые снежным покровом: голубели дали, чуть желтели под
хлопьями снега дороги, прикрытые белыми шапками дома робко выглядывали из-за
темных деревьев. В галерее Филлипс в Вашингтоне находится пейзаж "Снег в
Лувесьенне" (1874). Рыхлую, тающую белизну снега оттеняют неяркие розовые и
серые стены домов и заборов. Этот же мотив художник использует позднее в
луврском пейзаже, носящем такое же название (1878). Движение мазка таково, что
зритель прекрасно чувствует, как по-разному ложится снег на извилистые ветви
деревьев, на покатые крыши домов, как лепится он к каменному и деревянному
заборам, как, наконец, падает на дорогу. Одинокая фигура женщины вдали вызывает
ощущение грусти, не тяжелой, давящей печали, а тихой, светлой, чем-то даже
приятной грусти".
Колористика пейзажа, манера письма выдают в Сислее художника-импрессиониста.
Однако его картины никогда не превращаются лишь в этюды света. Цвет сохраняет
интенсивность, а пейзаж в целом - предметную ясность.
С 1884 года художник продолжительное время живет в Англии. "80-е годы были и для
Сислея сложным временем, - отмечает Н.Н. Калитина. - В его творчестве не
происходит резких изменений, но он начинает метаться, старается добиться большей
выразительности, усиливая звучание цвета и размашистость мазка. Это чувствуется
в пейзаже "Опушка леса в Фонтенбло" (1885). Изображена осень: оранжево-желтые
деревья, кое-где зеленые пучки травы, чередующиеся с рыжими полосами земли.
Можно проследить за каждым движением кисти, с какой-то лихорадочностью бросающей
на холст краску. Ее застывшие сгустки делают поверхность холста неровной,
шероховатой. Только небо написано легкими прикосновениями кисти. Соответствовала
ли такая манера письма, такая повышенная интенсивность цвета дарованию Сислея?
Вряд ли. Художник теряет ту безыскусственность построения, тонкость в передаче
света, которые составляли самую сильную сторону его творчества. Иногда он еще
создает пейзажи, воспринимаемые друзьями как радостные вестники нового
возрождения. Возрождения не наступило. Сказалась здесь и усталость от борьбы, и
болезнь, и чувство обиды, что, в отличие от Моне, Ренуара, даже Писсарро, он
один остался непризнанным".
Умение целиком отдаться творчеству всегда было самой большой радостью для
Сислея. Ренуар, который в юности часто писал рядом с ним, отмечал его "неизменно
хорошее настроение" во время работы. Но с годами художник становился все более
мрачным, замкнутым и нелюдимым.
КЛОД МОНЕ
зоз
"В годы полной неизвестности, когда все импрессионисты сообща переносили
невзгоды, - пишет Т. Дюре, - Сислей был самым несчастным, он страдал больше
других".
Сислей умер в страшной нужде 29 января 1899 года в маленьком старинном городке
Море-сюр-Луэн, близ Фонтенбло.
Проститься с ним из старых друзей приехал только Клод Монэ. Сислей так и не
дождался успеха, который пришел через несколько лет после его смерти. Тогда его
пейзажи стали продаваться по невиданной ранее высокой цене.
КЛОД МОНЕ
(1840-1926)
Клод Оскар Моне родился 14 ноября 1840 года в Париже. Но юность он провел в
Гавре, где его отец в компании со своим шурином владел бакалейной лавкой. Клод
проводил больше времени в воде и на скалах, чем в классе. По натуре он был
недисциплинирован, и школа всегда казалась ему тюрьмой. Он развлекался,
разрисовывая голубые обложки тетрадей и используя их для портретов своих
учителей, сделанных в весьма непочтительной, карикатурной манере. В этой забаве
он вскоре достиг совершенства. В пятнадцать лет он был известен всему Гавру как
карикатурист.
Однажды Клод познакомился с пейзажистом Эженом Буденом. Владелец лавки
воспользовался случаем и представил ему Моне как молодого человека, у которого
такой большой талант к карикатуре.
"Буден тотчас же подошел ко мне, - вспоминал Моне, - похвалил меня своим мягким
голосом и сказал: "Я всегда с удовольствием смотрю на ваши рисунки; это забавно,
легко, умно. Вы талантливы - это видно с первого взгляда, но, я надеюсь, вы не
остановитесь на этом. Все это очень хорошо для начала, но скоро вам надоест
карикатура. Занимайтесь, учитесь видеть, писать
и рисовать, делайте пейза- Л ' оне'
^ Автопортрет
100 ВЕЛИКИХ ХУДОЖНИКОВ
КЛОД МОНЕ
жи. Море и небо, животные, люди и деревья так красивы именно в том виде, в каком
их создала природа, со всеми их качествами, в их подлинном бытии, такие, как они
есть, окруженные воздухом и светом".
Клод не мог найти лучшего учителя, потому что Буден не был ни доктринером, ни
теоретиком. Все, что он знал, он изучил своими глазами и сердцем, доверяясь им с
неподдельной наивностью. Именно работа бок о бок с этим замечательным
художником, по признанию Моне, открыла ему глаза на красоту природы: "Я не
забыл, что вы были первым, кто научил меня видеть и понимать", - писал Моне
Будену уже в 1892 году.
Увлечение живописью заставляет молодого художника отправиться в Париж. В первый
год своего пребывания там (с мая 1859-го до середины 1860 года) Моне жадно
впитывает новые впечатления, которые в избытке предоставляет столица: на
выставках Салона он знакомится с работами К. Коро и барбизонцев, недолгое время
посещает Академию Сюисса. Здесь же у него появляются новые друзья, среди них -
Камиль Писсарро.
В 1860 году Моне был призван на военную службу в роту горных егерей,
расквартированную в Алжире. Однако спустя два года он серьезно заболел, и
родителям пришлось внести за него деньги, чтобы освободить сына от воинской
повинности.
В 1862 году Моне возвращается в Париж и начинает заниматься в студии Ш. Глейра.
В это время его товарищами по искусству становятся Ренуар, Сислей и Базиль.
Его ранние живописные работы- "Уголок Ателье" (1861) и "Охотничьи трофеи" (1862)
- позволяют говорить о несомненном колористическом даровании живописца, о его
умении скомпоновать картину и об увлечении иллюзионистическими эффектами.
Позднее Клод создает несколько видов "Улицы де ла Баволь в Онфлере" (1864).
Живописные достоинства этих пейзажей впоследствии высоко оценивал А.Н. Бенуа:
"Черноты в духе Курбе нет уже и в помине, но чернота в духе Веласкеса налицо.
Каждый мазок, и даже самый темный, светится как-то изнутри и остается ярким, а
все в целом чудесно гармонизовано и полно чарующей сдержанности".
В 1865 году, когда родители перестали помогать Моне, он снимает студию вместе с
Ренуаром и Базилем. В том же году Моне начинает работу над композицией "Завтрак
на траве", картину большого формата - полотно более шести метров в ширину.
Природа и пробивающийся сквозь зеленую листву солнечный свет, фокусирующийся на
белом пятне скатерти, а также прозрачные голубоватые тени здесь гораздо важнее
всего остального. Это полотно словно предсказывает будущее в направлении и
развитии творчества Клода Моне, главы новой складывающейся импрессионистической
школы.
Две марины художника ("Мыс де ла Эв во время отлива" и "Устье Сены близ
Онфлера") приняты в Салон 1865 года
...Закладка в соц.сетях
