Жанр: Энциклопедия
Сто великих композиторов.
...теплого чувства. Ему
едва минуло тогда восемнадцать лет, это было давно, и я не могу сказать, признал
ли я уже тогда его оригинальность. Заниматься с ним было одно удовольствие Он
"проявлял прилежание, усердие и делал все наилучшим образом И он был, как все
одаренные молодые люди той эпохи, весь пропитан музыкой, жил в музыке Он посещал
и знал все оперы и концерты, играл дома в четыре руки на рояле, скоро научился
читать партитуру, легко воодушевлялся, был некритичен, но чувствителен к старой
и новой красоте, будь то музыка, литература, живопись, изобразительное
искусство, театр или опера.
Весьма показательна для Берга была его совестливость и отходчивость. Все, за что
он брался, он исполнял с удручающей точностью, основательно изучая и испытывая
вдоль и поперек Какую ценность при этом имела его деятельность в "Обществе
частных музыкальных исполнений", можно легко себе представить"
Первые произведения Берга написаны в додекафонной технике К ним относятся
"Фортепианная соната" (1908), "Первый квартет для струнных" (1910), пьесы для
кларнета и фортепиано (1913), в которых применяется и так называемый
всеинтерваль-ный ряд. В "Трех отрывках для оркестра" (1914) автор уже овладевает
всеми характерными особенностями оркестровой композиции новой венской школы.
Альбан Берг был одним из наиболее просвещенных пропагандистов идей Шенберга. Он
разбирал его произведения в ряде статей, куда включал и клавираусцуг (цитаты из
музыки в переложении для фортепиано). В то время как Шенберг был рациональным
музыкантом, Альбан Берг никогда не скрывал своей спонтанности и
склонности к чувственному постижению мира, что отразилось в его произведениях.
Он не всегда был последователен как сторонник додекафонии и тональной музыки,
если чувствовал, что конкретное музыкальное выражение требует нарушения этих
строгих композиционных принципов. Примкнув к теоретическому основоположнику
додекафонии - своему учителю, Альбан Берг не стал его абсолютным последователем,
он сумел сохранить свой индивидуальный талант, связанный с редкой по силе
эмоциональностью музыкального высказывания, не порвал с поздним романтизмом в
языке и образном содержании своих сочинений Поэтому Берга иногда называли
"романтиком додекафонии".
С 1915 по 1918 год Берг находился на военной службе - работал в Вене писарем,
поскольку как астматик не подлежал отправке на фронт. Но он узнал о войне
достаточно, чтобы прочувствовать трагедию жизни денщика в драме Бюхнера
"Воццек". Этот прозаический текст он превратил в известную во всем мире оперу
"Воццек", написанную им в 1917-1921 годы.
Обращение композитора к шедевру Георга Бюхнера было смелым поступком: впервые в
мировой оперной литературе героем стал маленький забитый человек1 Даже русские
композиторы, представители оперного реализма, прошли мимо этой острейшей
проблемы.
Известно, что Бюхнер создал свою драму на основе личных впечатлений от
материалов уголовного дела об убийстве парикмахером Войцеком в порыве ревности
своей возлюбленной Слухи об этом громком деле ходили не один год. Оттолкнувшись
от реальных событий, драматург дал им высокое художественное обобщение.
Впервые композитор увидел пьесу Бюхнера на сцене весной 1914 года и пришел от
нее в восторг. В своей опере Берг изменил имя бюхнеровского героя Войцек на
Воццек
"Я никогда не ставил себе задачу реформировать структуру оперы через посредство
"Воццека", - писал композитор - Ни приступая к этой работе, ни завершая ее, я не
считал ее образцом для будущих сочинений композиторов Я никогда не предполагал,
что "Воццек" должен служить основанием какой-то школы
Я просто хотел написать хорошую музыку, пересказать музыкальным языкомБалет "Ромео и Джульетта" - хореографическая драма, в которой на первое место
выступает не дивертисментное (танцевальное) начало, а развитие образов. В их
обрисовке композитор достигает высочайшего мастерства.
Вскоре Прокофьев дебютирует в кино. Он пишет музыку к монументальному фильму
"Александр Невский" (1938-1939). Эта музыка, проникнутая патриотическим пафосом,
часто исполняется в концертах в виде кантат. Впервые такое исполнение состоялось
17 мая 1939 года в Большом зале Московской консерватории под управлением автора.
"Александр Невский" был для Прокофьева первым (и тем не менее увенчавшимся
блестящим успехом!) опытом воплощения большой героической темы. Вторично он
обращается к ней в опере "Семен Котко", но уже на современном сюжете,
рассказывающем о событиях гражданской войны на Украине.
После "Семена Котко" Прокофьев направляет свои стремления главным образом на
музыкальный театр. Вскоре он создает одно из обаятельнейших своих произведений -
лирико-коми-ческую оперу "Обручение в монастыре".
• Великая Отечественная война прервала мирную жизнь советских людей. Не все были
на фронте, но все трудились во имя победы. И Прокофьев обращается к военной
тематике. Но в центре его внимания - грандиозный замысел оперы "Война и мир".
Мысль об использовании романа Л. Толстого в качестве оперного сюжета зародилась
давно. Перечитывая это уникальное в мировой литературе произведение, Прокофьев
был пленен мощью толстовского гения, широтой охвата русской действительности. И
вот теперь в сложнейших условиях эвакуации, в гостинице "Нальчик" он записывает
15 августа 1941 года первую нотную страницу, а спустя три месяца уже готовы
шесть картин. "В эти дни, - вспоминает композитор, - приняли ясные формы,
бродившие у меня мысли написать оперу на сюжет романа Толстого "Война и мир".
Осложнившаяся обстановка на фронте вынуждает его переехать в Тбилиси. Необычные
условия кочевой жизни не снижают творческий запал, редкостную трудоспособность
композитора. Он сочиняет везде и в любое время, о чем свидетельствуют отдельные
листы школьной тетради, почтовые конверты, счет гостиницы "Тбилиси", испещренные
нотными записями, отрывками либретто. Переезд в Алма-Ату, куда Прокофьева вызвал
С. Эй-зейштейн в мае 1942 года для совместной работы над кинофиль506
100 ВЕЛИКИХ КОМПОЗИТОРОВ
мом "Иван Грозный", не нарушает планомерного создания оперы. В Баку
заканчивается в клавире Десятая картина. Во время продолжительной переправы
через Каспийское море сделана значительная часть оркестровки. Так, ни на минуту
не прерывая напряженного труда, менее чем за два года композитор завершает
первую редакцию этого монументального творения. Впервые "Война и мир" прозвучала
в концертном исполнении 16 октября 1944 года.
Параллельно полным ходом идет работа над музыкой к кинофильму "Иван Грозный".
Содружество с Эйзенштейном и на этот раз увлекательно и плодотворно. Музыка
"Ивана Грозного" в значительной мере продолжает героико-эпическую линию
"Александра Невского", "Войны и мира", с ее ярко выраженной народно-песенной
основой. Но вместе с тем сцены придворных интриг, боярских заговоров усложняют
драматургию фильма, накладывают отпечаток на противоречивый и подчас жестокий
облик царя Ивана, на его музыкальную характеристику.
Еще в 1940 году был задуман Прокофьевым балет "Золушка", но завершить его
удалось лишь в конце войны. Это одно из самых лиричных творений композитора, поновому
раскрывающее его отношение к поэзии сказочного вымысла. Лирика "Золушки"
отличается той многоплановостью настроений и душевностью, которая свойственна
музыке позднего Прокофьева. Внутренний мир сказочной героини раскрыт любовно и
трогательно. В поэтическом строе сказочных образов в тяжелые военные дни
утверждалась вера в светлые идеалы, в торжество добра. Вот почему в период
создания балета композитор особенно стремился к тому, "чтобы зритель в сказочной
оправе увидел живых, чувствующих и переживающих людей".
Казалось, творческая жизнь композитора счастлива и безоблачна. Но и гениальному
Прокофьеву не удалось избежать разгромной критики в 1948 году, когда он был
объявлен формалистом. На закрытом просмотре его новая опера "Повесть о настоящем
человеке" получила неблагоприятную оценку. Это подорвало не только его здоровье,
но и веру в правильность советской политики в области культуры.
К счастью, к тому времени уже новый замысел владел его воображением. И со
свойственной ему силой воли преодолев глубокое огорчение, композитор полностью
переключается на создание балета по уральским сказам Бажова Создавая "Сказ о
каменном цветке", Прокофьев осуществил свою давнишнюю мечту о национальном
русском балете. От первой попытки такого
рода, предпринятой почти тридцать пять лет назад, "Сказки про шута...", его
отличает высокая поэтизация народной песенное-ти, воссоздание в музыке подлинно
национальных характеров.
Однако постановка "Каменного цветка" была осуществлена лишь спустя четыре года.
. Состояние здоровья Прокофьева ухудшилось. Но не писать композитор не мог.
Творчество было постоянной и необходимой потребностью его жизни.
Прокофьев задумал написать для детского радиовещания несложную симфонию. Но в
процессе сочинения замысел получил иной поворот - последняя, Седьмая симфония,
стала своего рода лирической исповедью композитора, его "лебединой песней", в
которой впечатления окружающей жизни, образы, запомнившиеся с детства,
сплетались с думами о пройденном пути, мудрым взглядом в будущее.
По средствам воплощения, простоте и ясности музыкального языка, формы,
оркестровке Седьмая симфония перекликается с первой, "Классической" симфонией,
являясь в то же время высшей ступенью мастерства композитора
Умер Прокофьев 5 марта 1953 года.
АРТУР ОНЕГГЕР (1892-1955)
Родители Артура Онеггера - швейцарцы из Цюриха, юность он провел в Швейцарии, но
затем жил во Франции и считал себя французом Однако наследственность все же
давала о себе знать, и в творчестве композитора порой проявлялись симпатии и
влечение к немецкому романтическому миру идей и к простодушному сентиментальноэмоциональному
восприятию жизни и природы Музыке Онеггера свойственны совсем не
вяжущиеся с ясным французским интеллектуализмом качества- жесткость и даже
грубость, но тут же рядом встречаются чувствительные страницы наивного
преклонения перед божеством, природой и величием подвига Простоватость и
обнаженная искренность сменяется почтительным уважением к традиционным формам и
нежелание расстаться с обусловленными ими схемами ради полной свободы выражения
Эта борьба двух творческих культур в творчестве Онеггера вылилась в нервное
напряжение и постоянно обостренное стремление к синтезу крайностей в его музыке
508
100 ВЕЛИКИХ КОМПОЗИТОРОВ
Талант Онеггера развивался главным образом в области камерной музыки. И здесь он
достиг силы и выразительности такого порядка, что заслуживает быть выделенным
даже из наиболее
значительных мастеров современности Искусство Онеггера - эмоционально насыщенное
и горделиво сдержанное - влечет к себе и заставляет прислушаться.
Артур Онеггер был человеком скромным и прямодушным, блестяще образованным
музыкально. Он входил в число композиторов так называемой "Группы Шести" (вместе
с Д. Мийо, Ф. Пуленком, Ж. Ориком, Л. Дюреем и Ж. Тайфером), но ее принципы,
сформулированные Жаном Кокто, признавал лишь отчасти
Онеггер не любил музыку, созданную под влиянием джаза, мюзик-холла, цирка,
предпочитал искусство предыдущих поколений Как тип художника он был прирожденным
оперным композитором. Но полностью посвятить себя опере Онеггер не смог, потому
что был вынужден музыкой зарабатывать себе на жизнь и не позволял себе рисковать
и работать без определенного заказчика Поэтому композитор создавал
многочисленные произведения для кино и театра и стал даже одним из наиболее
удачливых авторов оперетты. Его "Приключения короля Позоля" исполнялись в Париже
более 500 раз, что в свое время было рекордом для Франции. Артур Онеггер родился
в Гавре 10 марта 1892 года. После домашних занятий музыкой Артур поступил в
Цюрихскую консерваторию (1909-1910), где учился у Ф. Хегара. Затем он продолжил
музыкальное образование в Парижской консерватории у Л. Капе (скрипка), А.
Жедальжа (теория музыки), Ш. Видора (композиция), В д'Энди (оркестровка,
дирижирование).
Первые популярные произведения Онеггера появляются в годы Первой мировой войны В
1917 году он сочиняет струнный квартет, насыщенный яркими красками, наполненный
большой нервной энергией В "Семи коротких пьесах" и пяти пьесах для фортепиано,
объединенных под титулом "Швейцарская тетрадь", - произведениях, написанных в
разные промежутки времени от октября 1919 года до июля 1923 года, - перед нами
пред141
стает сосредоточенный и углубленный созерцатель. Он то мучительно ищет исхода в
нервном трепете гибких линий и в кованых ритмах, то хочет подчиниться
неизбежному воздействию сумрака и гнета в успокоении, в тиши пассивного
оцепенения Следом композитор пишет "Летнюю пастораль" и несколько камерных
сочинений Особенно удалась Онеггеру героико-сим-фоническая пантомима "Гораций -
победитель"
В 1921 году Онеггер сочинил музыку к драме Рене Моракса "Царь Давид". В течение
двух месяцев напряженной работы (с 25 февраля по 28 апреля) композитору удалось
создать яркое, глубокое и цельное произведение, написанное на одном дыхании, так
что музыкальный интерес не ослабевает с начала до конца. Исполнение "Царя
Давида" в Париже в 1924 году вызвало бурный энтузиазм и повторялось несколько
раз с колоссальным успехом. Успех этот был поворотным пунктом в отношении
публики и критики к Онеггеру: из "подававшего надежды" он сделался известным
композитором, в крупном и серьезном даровании которого перестали сомневаться.
До сих пор музыка к "Царю Давиду" среди остальных произведений Онеггера,
написанных и до нее и после, продолжает оставаться самым популярным и наиболее
захватывающим массы сочинением. Это объясняется, конечно, в первую очередь
искренностью, лирическим подъемом и яркой картинностью и театральным пафосом -
свойствами, присущими данной партитуре Онеггера Нисколько не отрекаясь от
современных принципов сочинения музыки, владея гибкой и ловкой техникой, а также
ценным даром - умением говорить просто и кратко, Онеггер нашел верный путь
непосредственно эмоционального воздействия на слушателя.
Музыка к "Царю Давиду" не оратория в обычном понимании этой формы и, кроме того,
отнюдь не церковная музыка. От культового претворения библейской легенды о
Давиде замысел Онеггера стоит далеко. Это лирико-эпическая поэма, театрально
претворенная: это цепь пластически ярких картин (марши, шествия, народные сцены,
пляски), связанных и прослоенных эмоционально-лирическими моментами, красиво
отображающими путь жизни народного героя.
Давид - пастух, в наивной песенке раскрывающий свое простодушно цельное
мировоззрение, становится Давидом вождем, спасителем народа от чужеземного ига.
Вождь становится царем' народный энтузиазм, символизировавшись в божественной
воле,
100 ВЕЛИКИХ КОМПОЗИТОРОВ
возносит Давида на вершину славы и могущества. Произведение Онеггера естественно
распадается на три части. В первой - беспечная юность Давида, затем его победа
над Голиафом, осознание своего призвания, борьба с Саулом; во второй - торжество
воцарения и мощный подъем народного ликования (центр всего произведения,
наиболее развитая и яркая по музыке массовая сцена); в третьей - предел величия,
закат и смерть Давида.
Пронизывающие лирические монологи, с большим темпераментом, теплотой и
искренностью написанные, раскрывают перед нами внутренний душевный мир народного
героя и параллельно блестящим описаниям борьбы, побед и славы утверждают другую
сторону его существования: чередования сомнений и веры, падений воли и гордой
самоуверенности, отчаяния и страха и вновь светлой надежды и дерзких порывов
раскрывают характер Давида - человека на всем протяжении его жизненного пути.
Соединение величественного и задушевно-интимного придает музыке "Царя Давида"
непрестанное глубоко жизненное очарование, а ее искренность и эмоциональная
выразительность привлекают к ней широкие симпатии. Оно является талантливым
современным опытом воссоздания монументально эпического искусства, с помощью
средств и принципов сочинения музыки наших дней, в основу которой положены
общечеловеческие идеи и чувства, присущие народной библейской легенде. Иначе
говоря, оно делает так называемую новую музыку всеобщим и всем понятным
достоянием, включая ее достижения в цепь музыкально-творческого наследия былых
эпох и утверждая верховные права за эмоциональным содержанием, как жизненным
тонусом всякой музыки.
Вскоре, в 1923 году появляется симфоническая поэма Онеггера "Песнь радости". И в
том же году Онеггер пишет самобытный и остро оригинальный "Пасифик 231" -
симфоническое преломление впечатлений, вызванных энергией и конструктивной мощью
машины, в данном случае - локомотива типа "Pacific 231" - поезда с большой
скоростью. Композитор объяснял, что его целью было "перевести" в музыкальный
план не видимость и не имитацию шумов, а передать "мерное дыхание машины в
состоянии покоя, усилие при "отчаливании" - при переходе в движение,
прогрессивное увеличение скорости и нарастание бега до лирического пафоса
поезда, идущего со скоростью 120 км в час".
В дальнейшем композитор создал своеобразный симфонический триптих, куда кроме
"Пасифик 231" вошли "Регби" (1928),
где он восхищается возможностями человеческого тела, и "Симфоническое движение №
3" (1932), в котором никакой программы нет.
В 1925 году Онеггер завершает оперу-ораторию "Юдифь" и балет "Под водой", а еще
через два года - оперу "Антигона", в которой автор воплотил свое представление о
современной опере по готовому драматическому сюжету Жана Кокто. Вся драматургия
состоит из чередования отдельных коротких эпизодов. Большое значение имеет также
выразительная сила оркестра. Опера осталась, к сожалению, недооцененной.
Основное время Онеггер проводит в Париже, изредка выезжая в кратковременные
поездки с авторскими концертами. В 1928 году он посещает СССР. К тому времени в
нашей стране уже были исполнены и "Царь Давид", и "Летняя пастораль", и "Пасифик
231".
Композитор продолжает много работать. В начале 1930-х годов Онеггер создает
мелодраму "Амфион" и оперу-ораторию для радио "12 ударов полуночи".
В 1935 году в Париже создается прогрессивная музыкально-общественная организация
Народная музыкальная федерация, входящая в антифашистский Народный фронт, и
Онеггер вступает в ее ряды.
В том же году автор пишет свое фундаментальное произведение - драматическую
ораторию-мистерию "Жанна Д'Арк на костре". Эта музыка производит сильнейшее*
впечатление и несет огромный заряд патриотических чувств. Так, постановка
оратории в Орлеане в 1939 году вызвала народные манифестации и в период
нацистской оккупации укрепляла веру народа Франции в свободу.
Наряду с тремя квартетами для струнных инструментов, несколькими сонатами и
концертами Онеггер создал 5 симфоний, которые принадлежат к числу наиболее ярких
произведений этого жанра в современной музыке. Вторая симфония, предназначенная
для струнных и созданная в начале войны, передает страшную атмосферу оккупации с
необычайной выразительностью. Третья симфония - "Литургическая" - хотя и
отражает ужасные впечатления от войны, дает надежду и веру; воплощает стремление
к высоким идеалам. Неповторима и Пятая симфония, созданная на основе
литургических текстов, хотя автор нигде их не цитирует. Это наиболее трагическое
из произведений Онеггера. В конце жизненного пути вообще многие произведения
Онег512
100 ВЕЛИКИХ КОМПОЗИТОРОВ
гера омрачались пессимистическими настроениями, связанными с ощущением
бесперспективности своей деятельности, безысходностью.
Композитор умер в Париже 27 ноября 1955 года.
ДАРИЮС МИЙО
(1892-1974)
"Музыка Мийо не объективна, а духовна. Она объединяет все и всех на основе
человеческих чувств. Благодаря ей все предметы, растения, животные, сами люди,
взятые как индивидуумы, становятся свидетелями драмы Человека, драмы вечной и
неизменной. Такова не только одна из его пластических поэм, известная под
названием "Человек и его желание"; так могло бы называться все его творчество,
рассказывающее о страдании человека перед лицом невозможности счастья, о его
тоске по недостижимому совершенству и о его стремлении к духовному началу, в
котором все находит свое решение и все делается простым", - написал Поль Коллер.
Дариюс Мийо родился 4 сентября 1892 года на юге Франции в Экс-ан-Провансе в
семье торговца. Его родители были музыкантами-любителями: отец хорошо играл на
рояле, а мать пела. В семь лет Дариюс начал учиться игре на скрипке, а
семнадцати лет поступил в Парижскую консерваторию. Здесь он занимался у Бертелье
(скрипка), К. Л еру, А. Жедальжа, Ш. М. Видора (теория композиции), П.Дюка
(дирижирование), а также в "Схола кашорум" у В. д'Энди. В консерватории
завязалась дружба с Ибером и Онег-гером Мийо увлекался тогда музыкой Берлиоза,
Дебюсси, Мусоргского и ставившимися в то время балетами Стравинского Эти
пристрастия не прошли бесследно для его творчества.
Позднее Мийо скажет так' "Я Moiy утверждать, что не суще-
ствует такого проявления современной музыкальной мысли, как бы свободна она ни
была, которое не восходило бы к установившейся традиции и не открывало бы
логического пути для будущего развития. Каждое произведение - только звено цепи,
и новые находки мысли или техники письма служат лишь добавлением к прошлой
музыкальной культуре, без чего любое изобретение было бы нежизнеспособным".
Дебютировал Дариюс в 1913 году в концерте "Независимого музыкального общества"
своим Первым струнным квартетом (1912), бодрым, ритмически и мелодически
изобретательным, посвященным памяти Поля Сезанна. Мийо сам исполнил партию
первой скрипки.
На редкость трудоспособный, независимый в суждениях, дисциплинированный, а
последнее отлично сочеталось со смелостью его творческих поисков, Мийо привлек
внимание П. Кло-деля. Этот человек выдающихся способностей: дипломат, поэт,
драматург, замечательный переводчик, сыграл большую роль в формировании
творческого облика Мийо. Началась их долгая дружба. Клодель, который с 1906 года
занимал пост посла Франции в Бразилии, взял его с собой. В 1916-1918 годах Мийо
проводит в Бразилии в качестве секретаря посла Франции. Позднее он часто
привлекал Мийо для музыкального оформления своих театральных замыслов.
На всю жизнь в памяти Дариюса запечатлелся оригинальный бразильский фольклор,
красочный быт страны. Воспоминания о ней вызвали к жизни одно из самых его
популярных произведений - "Бразильские танцы". В них выразились самобытные черты
народного творчества Бразилии, в частности смешение португальского и
негритянского фольклора. Это обогатило творческое воображение композитора,
расширило его композиторские ресурсы. "Бразильские танцы" наряду с другими
произведениями - сюитой "Скарамуш" (для двух фортепиано) и "Провансальской
сюитой" - прочно вошли в репертуар советских исполнителей.
По возвращении в Париж в 1918 году Мийо вскоре становится одним из участников
"Шестерки".
В 1919 году Мийо завершает драму "Протей", начатую еще в 1913 году. Интересно,
что ее инструментальный материал стал содержанием второй симфонической сюиты
композитора. "Протей" представляет собой музыку к сатирической драме Поля
Клоделя, но, в сущности, заключает в себе много элементов
17 А 529
100 ВЕЛИКИХ КОМПОЗИТОРОВ
пластико-симфонических или симфонико-хореографических. Интереснейшим моментом в
этой музыке является симфонический эпизод, сопровождающий кинофильм, на котором
развертываются различные превращения "Протея" во льва, огонь, воду, дракона,
осьминога и во фруктовое дерево. Это, пожалуй, одно из первых приближений
композитора-симфониста к кинематографическим заданиям - дать звукопись в
движении, связать музыкальные ритм и интонацию с механически вращающейся лентой.
В целом музыка к "Протею" образует ряд вокальных (хоровых) изобразительнопрограммных
и чисто симфонически-инструментальных эпизодов, своего рода кантатусюиту.
С середины 1920-х годов произведения Мийо исполняются в ряде стран Европы, он
сам много гастролирует в Америке и Европе, в 1926 году Мийо как дирижер своих
произведений посещает Москву и Ленинград.
К этому времени он автор уже большого числа сочинений: остроумных эксцентриадбалетов
"Бык на крыше" (1919), "Салат" (1924), "Голубой экспресс" (1924), балета
на основе бразильского фольклора "Человек и его желание", "Сотворение мира"
(1923) по негритянской легенде, античной оперы "Эвмениды".
Характерным для своего времени является балет "Бык на крыше". Мийо выступил
здесь как новатор и один из первых пропагандистов негритянской музыки. Сам
композитор определил балет как "кино-симфонию", в которой сплавлены интонации
городского фольклора и джаза.
Мийо много писал также в жанре инструментального концерта. Ему принадлежит более
тридцати концертов и концертных пьес для различных инструментов с оркестром. В
1920-е годы композитор стремится обновить привычные "классические" разновидности
инструментального концерта и вводит ранее не использовавшиеся в качестве
концертных инструменты, например маримбу, вибрафон.
Шесть маленьких симфоний Мийо (1917-1923) вводят нас в атмосферу музыкальнопоэтических
впечатлений от природы, весны, любовных забав и в лабораторию
мастера, радующегося своему умению сплетать из звуколиний прихотливые красочные
узоры и сочетать их в остро ритмованные мелодические - политональные комплексы.
Мийо создал двенадцать симфоний. К этому жанру он обратился в 1939 году, а
последнюю, "Пасторальную", написал в 1963 году. В симфонии его привлекала
жанрово-характеристичес515
кая особенность. Это наиболее сильная сторона оркестровой музыки композитора, и
ярче всего она проявилась не в симфоническом, а в сюитном жанре
С 1936 года вместе с членами "Шестерки" Мийо принимал участие в деятельности
Народной музыкальной федерации: создал хоры на тексты революционных поэтов,
вместе с Онегге-ром написал музыку к драме "14 пиля" Р. Роллана (1936).
В 1940 году Мийо эмигрировал из оккупированной Франции за оке
...Закладка в соц.сетях
